Telluride hat häufig Dokumentarfilme zentriert, die Künstler feiern, und drei ihrer bekanntesten Sachfilme dieses ungewöhnlichen Jahres beschreiben das Leben unglaublich einflussreicher Musiker. Ich ging zu diesen drei Filmen, um meiner Frau gegenüber meine generelle Abneigung gegen Bio-Docs auszudrücken. Sie sind typischerweise strukturell flach („Das ist passiert, dann ist das passiert, dann ist das passiert …“) und bestehen oft aus Anekdoten oder Hörensagen, die in Talking-Head-Interviews erzählt werden. Gähnen. Nachdem ich mir diese drei Filme angesehen habe, merke ich, dass es nur das ist, was ich nicht mag Schlecht bio-docs, und in dieser Form ist noch viel Leben, wenn es so gut gemacht ist.

Um fair zu sein, 'Halleluja: Leonard Cohen , Eine Reise, Ein Lied“ ist kein traditionelles Bio-Dokument, da es ein einzelnes Kunstwerk mehr hervorhebt als den Künstler, der es geschaffen hat. Allerdings Dan Geller und Dayna Goldfine ’s Film nutzt Cohens Meisterwerk wirklich als Zentrum einer Reise durch das Leben, die Liebe und das Werk eines der besten Songwriter aller Zeiten. Die meisten Songs konnten das Gewicht eines Projekts wie diesem nicht tragen – „Hallelujah“ ist nicht wie die meisten Songs. Es ist nicht nur zu einer der beliebtesten Melodien aller Zeiten geworden, sondern hat sich im Laufe der Jahre verschoben und verändert und ist zu einer Möglichkeit geworden, nicht nur Cohens Karriere zu lesen, sondern auch die Art und Weise, wie er die gesamte Musikindustrie beeinflusst hat. Zugegeben, ich bin ein riesig Cohen-Fan, daher könnte meine Sicht auf dieses Projekt ein wenig voreingenommen sein, aber ich fand es aufschlussreich, wie es Cohen aus den Songwriting-Schatten seines eigenen Schaffens herausholt und nicht nur seinen Prozess, sondern auch seine Verbindungen zur Musikwelt beschreibt.

Geller und Goldfine brauchen tatsächlich eine Weile, um zu „Hallelujah“ zu gelangen, und servieren im ersten Drittel des Films ein traditionelleres Bio-Doc, wobei sie einen Ton anschlagen, der sich sanft und intellektuell anfühlt wie Cohen selbst. Es gibt Geschichten von Mitarbeitern wie Judy Collins, die darüber spricht, „Suzanne“ zum ersten Mal zu hören, oder Mega-Produzentin Clive Davis , der dieses Juwel fallen lässt: „Niemand ging auf seinem Weg; er ist keinem anderen in den Weg gelaufen.“ Das Bild von Cohen, das sich früh im Film abzeichnet, ist das von jemandem, der von Anfang an ein angesehener Ältester war, der älter als viele seiner Kollegen in seine Volksmusikszene kam und eine poetische Sicht auf die Welt hatte.

Cohen war auch ein obsessiver Perfektionist, und das fließt in die Kreation von „Hallelujah“ ein, einem Song, an dem er jahrelang gearbeitet hat und Berichten zufolge über hundert Strophen überarbeitet hat, bis er genau richtig war. Und dann, notorisch, es erneut zu überarbeiten, von seiner ursprünglichen Aufnahme, die bombardiert wurde, bis hin zu Live-Shows, in denen das Lied einen ganz anderen, sexuellen Ton annahm. Die meisten Cover im Laufe der Jahre haben es sogar noch weiter verändert, indem sie einen Teil der ersten Version und einen Teil der zweiten übernommen haben – ob Sie es glauben oder nicht, das „ Shrek “-Version, die den Song für eine neue Generation populär machte, ist ein eigener Hybrid, und oft ist das jetzt eine der am häufigsten gecoverten. Das Lied hat Leben gehabt und sich je nach Zeit und Interpret verändert und verschoben.

Ich liebte den musikhistorischen Aspekt von „Hallelujah“, da es ohne eine Linie, die von Collins zu Ratso Sloman gezogen werden kann, nicht wirklich existiert Bob Dylan zu John Cale zu Jeff Buckley zu Brandi Carlisle und so weiter. Der Film beginnt sich in der letzten halben Stunde einer zweistündigen Laufzeit etwas in die Länge zu ziehen, aber er ist immer noch ein mitreißendes Porträt der Ausdruckskraft, etwas, das Leonard Cohen mehr perfektioniert hat als die meisten Songwriter, die je gelebt haben.

Ich war weniger ein Hardcore-Fan von Lou Reed und John Cale, und doch tat das meinem Genuss keinen Abbruch Todd Haynes ' Ausgezeichnet „Der samtene Untergrund“, die nächsten Monat auf Apple TV+ Premiere haben wird. Wie erzählt man die Geschichte einer Avantgarde-Band wie The Velvet Underground im traditionellen Format des Bio-Doc? Die Antwort ist natürlich, dass man einen Avantgarde-Dokumentarfilm macht, einen, der eine sehr einzigartige Band auf einzigartige Weise einfängt. Zwar gibt es in Haynes’ Film noch lange Interviewpassagen, aber wer dachte, der Regisseur von „Superstar: The Karen Carpenter Story“ und „I’m Not There“ würde eine typische Musikdokumentation abgeben, kennt seine Arbeit offensichtlich nicht.

Von Anfang an versucht Haynes, ein Kunstwerk zu schaffen, das nicht nur die Geschichte von The Velvet Underground aufzeichnet, sondern ihren kreativen Geist widerspiegelt. Er ändert ständig die Rahmengröße und den Standort. Zum Beispiel werden im frühen Teil des Films Nahaufnahmen eines Subjekts wie Lou Reed oder John Cale, die schweigen und fast immer noch auf einer Hälfte des Bildes in einer Schleife laufen, während sich auf der anderen Seite Archivmaterial entfaltet, das das Gehörte detailliert oder mit Accessoires ergänzt in Interviewaufnahmen. Es kann schwierig sein, Ihr Gehirn zu wickeln. Und das ist erst der Anfang. Interviews nehmen zwei Drittel des Rahmens ein und lassen den linken Teil schwarz, nur weil. Es führt zu einer ständigen Neuorientierung als Zuschauer, ähnlich dem, was die Band mit ihrer Musik für die Zuhörer erreichen wollte.

Haynes trifft in „The Velvet Underground“ brillante Entscheidungen, von den Archivbildern, die er wählt, um die Geschichte einer sehr ungewöhnlichen Band zu begleiten, bis hin zu seiner Betonung von Prozess und Zusammenarbeit. Der Film öffnet sich wirklich, wenn Cale und Reed sich treffen Andy Warhol , was natürlich die Musikgeschichte veränderte. Es wird zu einer Arbeit darüber, was aus künstlerischen Gemeinschaften hervorgeht und wie dieses Gefühl der Unterstützung und Zusammenarbeit die Art von Genie hervorbringen kann, die sich im Laufe der Jahre ausbreitet (es ist eine Freude, Jonathan Richman über den Einfluss der Band auf ihn sprechen zu hören). Es ist ein intelligentes, kreatives Stück Filmemachen. Vielleicht ist das Beste, was ich dazu sagen kann, dass ich wirklich denke, dass Lou Reed es gegraben hätte.

Schließlich gibt es Douglas Tirola 's „Bernsteinmauer“, eine zärtliche und intellektuelle Studie über eine weitere der wichtigsten Musikerfiguren des 20 ^th Jahrhundert, Leonhard Bernstein. In fast nichts anderem als Bernsteins eigener Stimme, die an verschiedenen Stellen, aber (glaube ich) hauptsächlich Ende der 70er Jahre aufgenommen wurde, verwendet Tirola das Leben eines sehr komplexen Mannes, eines Genies, das seine Sexualität die meiste Zeit seines Lebens versteckt hat und wurde auch ein überraschend lautstarker Befürworter des sozialen Wandels. Bernsteins Erzählung reicht vom Zweiten Weltkrieg bis zum Kampf gegen den Vietnamkrieg und umrahmt Bernstein auf eine Weise, die sein Angebot für die Musikwelt bereichert, indem er zeigt, wie leidenschaftlich und unverblümt er auch auf anderen Bühnen war.

Tirola verliert jedoch nicht, was Bernstein wirklich antrieb, und das war die Tatsache, dass er ein musikalisches Genie war. Ihm beim Dirigieren zuzusehen, ist, als würde man einem Meistermaler dabei zusehen, wie er den Pinsel auf die Leinwand legt. Es hat etwas fast Unmögliches. Wir sehen zu, wie Menschen Sport oder Instrumente spielen, und wir können die Mechanik einigermaßen verstehen, aber Meisterdirigenten tun etwas, das fast schwerer zu definieren ist, etwas, das sich transzendent anfühlt.

Ich bewunderte auch, dass Tirolas Film versucht, dem eleganten Fluss eines Musikstücks zu entsprechen, das wie eine Symphonie mit Anmut und Schönheit in Kapitel von Bernsteins Leben hinein- und herausgleitet. Letztendlich ist es einfach eine angenehme Zeit mit einem eloquenten und einfühlsamen Mann, festgehalten in einem Film, der seinem Erbe gerecht wird.