In Zukunft werden, wenn es einen gibt, Filmhistoriker, die den Tod des Autorenkinos aufzeichnen, zitieren Luca Guadagnino 's 'Seufzen' als der Punkt, an dem diese Art des Filmemachens endgültig in ihre dekadente Phase eintrat. Dieses leere, überladene, hässliche und gedankenlose Remake – Guadagnino bevorzugt offenbar den Begriff „Coverversion“ – des Grindhouse-surrealen Films von 1977 unter der Regie von Dario Argento ist eine atemberaubende Errungenschaft in hohler, nichtssagender Sensationsgier, die es voll und ganz verdient, als „prätentiös“ bezeichnet zu werden. Und noch einiges mehr.

„Suspiria“, der sich in „Sechs Akte und ein Epilog“ als Film ankündigt, spielt im Erscheinungsjahr des ersten Films, 1977, im geteilten Berlin, als die Entführung des Lufthansa-Flugs 181 im Zusammenhang mit der Baader-Meinhof-Bande stattfindet . Ein junger Student an einer Tanzakademie ist überzeugt, dass der Ort von Hexen regiert wird; Sie versucht verzweifelt, ihren Psychiater zu überzeugen, der „Wahnvorstellungen“ in sein Notizbuch schreibt. Dieses Mädchen verschwindet; Später wird (fälschlicherweise) spekuliert, dass sie sich zu sehr mit radikalen Gruppen in der geteilten Stadt beschäftigt hat. Der Psychiater, gespielt von „Newcomer“ Lutz Ebersdorf (den viele für den Co-Star des Films halten Tilda Swinton altmännlich geschminkt), wird durch den Verlust seiner Frau im Zweiten Weltkrieg gequält. Ich spreche diese beiden besonderen Themen an, weil sie im Argento-Film nicht existieren und den Versuch dieses Films darstellen, seine übernatürliche Horrorgeschichte mit realen Themen und Tragödien in Resonanz zu bringen.

Aber es ist eigentlich eine beleidigende, opportunistische Vereinnahmung der Geschichte, die den Film anmaßend macht. Was es abstoßend macht, ist die Hifalutin-Marke der Frauenfeindlichkeit, die es (unerbittlich) leise macht, und die absichtlich übertriebenen Horrorbilder, die es mit kichernder Freude auslöst. Was auch immer Sie von Argentos „Suspiria“ oder seiner Arbeit insgesamt halten, Sie müssen zugeben, dass sein morbider Sadismus einem authentischen Impuls zu entspringen scheint.

Für Guadagnino ist das simulierte Gemetzel nur eine weitere App. Ich zerbreche mir den Kopf, um ein weiteres Beispiel für einen Fall zu finden, in dem ein Regisseur seine völlige künstlerische Freiheit einsetzte, um seinen absoluten Mangel an künstlerischer Überzeugung zur Schau zu stellen. Und mir fällt nicht viel ein. Wenn Ihnen „Call Me By Your Name“ gefallen hat, werden Sie „Suspiria“ nicht wiedererkennen. Schade für meine Zwecke, dass ich nicht grundlos gehasst habe“ Rufen Sie mich bei Ihrem Namen an “, denn wenn ich es getan hätte, könnte ich zusätzlich sagen, dass Sie „Call Me by Your Name“ lieben, wenn Sie es mögen verdienen 'Seufzen.'

Ein Regie-Hauch, den ich eher schlechter finde, wenn ich ihn einen Hauch nenne 'Peterloo', Mike Leigh 's Film über das Massaker auf dem St. Peter's Field in Manchester, England, im Jahr 1819. Leigh wollte schon seit langem unbedingt einen Film über diese Zeit drehen, und es ist leicht zu verstehen, warum. Der friedliche Protest, der mit 15 Toten und mehreren Hundert Verletzten endete, war ein Meilenstein im Kampf der englischen Arbeiterklasse. Und wenn Sie das Datum beachten, können Sie errechnen, dass dieser Kampf lange vor Marx und Engels und ihren Mitbrüdern begonnen wurde. (Bevor Engels überhaupt geboren wurde; Karl selbst war ungefähr ein Jahr alt.) Politik ist nie weit von Leighs Arbeit entfernt, und er hat ein besonderes Interesse am Klassenkampf. Sein Film ist ein Epos über die Machtlosen statt die Mächtigen. Es zeichnet die Bemühungen von Journalisten, Arbeitern und Fraktionen der aufgeklärten Oberschicht auf, sich für existenzsichernde Löhne und Vertretung im Norden Englands einzusetzen, wo die Industrialisierung zu ihrem Recht kam und unter anderem neue Wege der Ausbeutung und Entfremdung schuf menschliche Arbeit.

Leider scheint Leighs Leidenschaft für das Material ihn dazu gebracht zu haben, es aus einem eher pädagogischen als künstlerischen Blickwinkel anzugehen. Das Ergebnis ist ein Film, der oft, wie ein Kollege es ausdrückte, „tot auf den Beinen“ ist. Wenn die bösen Magistrate der Region (all diese Typen) mit einer karikaturhaften Verachtung dargestellt werden, die sich mehr anfühlt Ken Russel als Leigh) Habeas Corpus suspendieren, gibt es eine ernsthafte Diskussion über den Begriff in einer Zeitungsredaktion, wobei die Redakteure die Stirn runzeln, wie man den Begriff einer ungebildeten Leserschaft erklärt. Wilhelm Faulkner hat einmal sein Problem mit dem Scripting erklärt Howard Hawks “ „Land der Pharaonen“, indem er feststellte, dass „wir nicht wussten, wie ein Pharao spricht“. Es gibt wenig überzeugende Vorstellung davon, wie die Gespräche im Jahr 1819 in diesem Film weitergingen. Und Leighs Inszenierung von Massenszenen und des Massakers selbst unterstreicht, dass filmische Kinetik trotz all seiner Meisterschaft auf anderen Gebieten nicht sein Ding ist.

Olivier Assayas tritt mit ein wenig aus seiner eigenen Komfortzone heraus 'Sachbücher, “, was auf den ersten Blick wie ein Leben-in-diesen-Zeiten-Bild im Modus von „ Sommerstunden .“ In diesem Film überlegte eine Familie, wie sie mit dem künstlerischen Vermächtnis eines geliebten Verwandten umgehen könnte, was viele kluge Gespräche über die Funktion und den Nutzwert von Kunst heute anregte. In „Non-Fiction“ ist die Hauptfigur (gespielt mit männlicher Spitzfindigkeit mittleren Alters von Guillaume Canet ) ist Lektor bei einem angesehenen Verlag und versucht herauszufinden, wie man Literatur im digitalen Zeitalter verbreitet. Dies führt zu vielen angenehmen, aber intensiven Gesprächen über E-Books, Blogs, Twitter und all die Dinge, auf die The Kids stehen.

Aber dieser Film ist weniger eine ernsthafte Auseinandersetzung mit diesen Themen als vielmehr eine Sexkomödie. Canets Lektor lehnt ein neues Manuskript von einem seiner langjährigen Autoren ab, einem struppigen Schnook, der von ihm gespielt wird Vinzenz Macaigne in der lustigsten Aufführung, die ich seit langem in einem französischen Film gesehen habe – der Typ ist praktisch ein Gallier Charlie Day . Canets Frau, gespielt von der ewig Transzendenten Juliette Binoche , befürchtet, dass ihr Mann eine Affäre hat, und er hat eine Affäre mit dem eleganten neuen Digitalmanager seiner Firma. Aber Binoches Charakter hat ihr eigenes Ding und mir fiel die Kinnlade herunter, als ich es herausfand. Dies ist ein sexy, witziger Film, der mit viel Schwung gefüllt ist, aber er fühlt sich auch etwas weniger persönlich an als viele von Assayas Filmen, vielleicht zum Teil, weil er nicht bis unter die Kiemen mit Liedern gefüllt ist, die er liebt. Und das ist nicht schlimm. Wenn der Film endet, mit ein Lied, das der Regisseur eindeutig liebt, man fühlt eine besondere Zufriedenheit, diese raffinierte und ironische Demonstration dessen erlebt zu haben, was für Narren wir Sterbliche sind.

Wenn Joel und Ethan Coen „Sei gegrüßt, Cäsar!“ Sie ungeduldig zurückgelassen hat, wann die Geschwister-Filmemacher wieder ernst werden würden, habe ich gute und schlechte Nachrichten. „Die Ballade von Buster Scruggs“, Der Anthologiefilm, der weniger eine Sammlung westlicher Geschichten als vielmehr eine Sammlung von Geschichten über westliche Geschichten ist, ist genauso albern, wenn nicht noch alberner als „Hail, Caesar!“ Es ist gleichzeitig so todesbesessen wie jeder Film, den sie je gemacht haben, und so fatalistisch bissig wie „ Ein ernster Mann .“

„Ballad“ beginnt mit dem Bild eines Geschichtenbuchs und beginnt mit der Titelgeschichte über einen sehr fröhlich singenden Cowboy namens Scruggs, der, nachdem er in Gesang und Dialog die vierte Wand durchbrochen hat, eine „ Gesucht “-Plakat, das ihn als „The Misanthrope“ bewirbt. Gespielt von Timo Blake Nelson Mit seinem urkomischsten Grinsen scheint er nicht auf Anhieb wie ein Griesgram zu sein. Wir erfahren bald, dass er dich buchstäblich töten wird, sobald er dich ansieht. Das gibt es also. Diese Geschichte berücksichtigt die Maxime, dass es immer einen Kerl gibt, der beweisen will, dass er schneller ist, wenn man der schnellste Schütze im Westen ist. Die nächste Geschichte, mit James Franco als angehender Bankräuber, der Glück hat, nur wegen eines Zwei-Wort-Witzes existiert, der einer der lustigsten in der Filmographie von Coen ist. Extrem düster wird es in „Meal Ticket“ und möglicherweise noch düsterer in … nun, ich will es nicht sagen.

Dieser Film hat viel in sich; Mit 133 Minuten ist es nur ein wenig länger als „No Country For Old Men“, was meiner Meinung nach der längste Film war, den diese sehr strengen Filmemacher bisher gemacht haben. Aber es ist extrem flink und wunderschön verarbeitet. So sehr der Film auch eine Nachahmung ist, es ist klar, dass die Filmemacher bis ins Detail aus der Zeit recherchiert haben; und sie haben viel Spaß, wie sie es normalerweise tun, mit verbalem Gebrauch und schwelgen in der kunstvollen Ausdrucksweise, die von Charakteren in Pulp-Western verwendet wird. ( Zoe Kasan darf „apophthegm“ in einer Zeile aussprechen.)

Sie halten sich auch an die Pulp-Konvention bei der Darstellung der amerikanischen Ureinwohner, was meiner Meinung nach einige Augenbrauen hochziehen wird, wenn der Film die Zuschauer in den Staaten erreicht. Die Logik dahinter ist echt, aber Leute, die sich über die mangelnde Vielfalt in „Hail, Caesar!“ beschwert haben. werden hier nicht viel finden, um sie zu besänftigen. Tatsächlich könnten sie sich am Ende wie subtweetet fühlen, was lächerlich wäre, weil niemand eine so große Produktion nur für einen Subtweet aufnimmt.