Dies ist mein drittes Mal bei den Filmfestspielen von Venedig und ich habe immer noch nicht den Dreh raus, die richtige Ankunftszeit auszuwählen, was meine wahrscheinlich unzureichende Erklärung dafür ist, dass ich die vielbeschworenen „Downsizing“ und „The Shape of Water“ nicht gesehen habe .“ Als ich am Donnerstagnachmittag einstieg, hatte mein Wassertaxi am Lido Probleme, einen Parkplatz zu finden, und dann hatte mein Auto zum Hotel 20 Minuten Verspätung, sodass ich erst einen einzigen Film sehen konnte fünf. Mehr als Sie wahrscheinlich wissen wollten, aber ich wollte schon immer die Phase „Mein Wassertaxi hatte Probleme, einen Parkplatz zu finden“ in einem Satz verwenden.

Das Bild, das ich um fünf sah, war eine der drei Produktionen des Biennale College, die ich für ein Panel begutachte, das am Montag stattfinden soll, und über die ich nach dem Panel schreiben werde. Freitag habe ich vier Filme gesehen, einer davon eine andere Arbeit des Biennale College. Der Tag begann mit „Unsere Seelen bei Nacht“ Der Film vereint Leinwandlegenden Robert Redford und Jane Fonda zum ersten Mal seit Jahrzehnten. Aus irgendeinem Grund erinnerte mich die Idee einer Redford/Fonda-Wiedervereinigung an die beiden alten Knaben, die gespielt wurden Nik Kroll und John Mulaney in der erfolgreichen Broadway-Komödie „Oh, Hello“, der um eine Fortsetzung von „Barefoot in the Park“ nach sechzig Jahren bittet. „Our Souls at Night“ ist das nicht; Es ist auch nicht das düstere Kammerstück, das sein Titel irgendwie vermuten lässt.

Der Film beginnt mit Einblicken in eine lächerlich idyllische Stadt in Colorado, in der keine Franchise-Drogerie oder Fast-Food-Restaurant die Main Street verschmutzt. Trotzdem hat Redfords Witwer Lou zum Abendessen Mac and Cheese in der Mikrowelle zubereitet. Danach kommt Fondas Addie, selbst Witwe, mit einem ungewöhnlichen Vorschlag bei Lou vorbei: dass sie eine Nacht, und vielleicht mehr als eine, in einem Bett verbringen. Nicht für Sex, beharrt Addie; sie hat schon lange das interesse daran verloren. Nein, für die Gesellschaft. Wenn du alt und allein bist, sind die Nächte hart.

„Our Souls at Night“ ist vielleicht ein Drittel eines guten Films. Die Sterne sind die Sterne, und die Prämisse ist nicht schlecht, auch wenn sie einige vorhersehbare Wege hinunterführt. „Das ist die Art von Film, bei der man Leo McCarey wirklich vermisst“, sagte ich später an diesem Tag zu einem Kritikerkollegen. „Glenn, du bist so ein Klassiker“, antwortete er. „Nein, ich mag nur gute Regisseure“, sagte ich. Der Direktor hier, Ritesh Batra , hat die Tendenz, fast jeden Schuss mit Vorzeichen im Wert von etwa 16 Tonnen zu investieren und den Humanismus zu ersticken, an dessen Vermittlung Redford und Fonda hart arbeiten.

„Schlägerei im Zellenblock 99“ arbeitet hart und bringt viele Dinge erfolgreich rüber, und Humanismus gehört nicht dazu. Oder ist es? Wenn dieses verrückte Bild von „ Knochen Tomahawk “ Regisseur S. Craig Zahler findet bei seiner US-Veröffentlichung ein Publikum, erwarten Sie, dass vehement darüber und dagegen gestritten wird, beginnend mit dem großen blauen Kreuz, das auf den rasierten Kopf seiner Hauptfigur tätowiert ist. Das einzig Fade an diesem Film ist der Titel. „Brawl“ deckt kaum ab, was im titelgebenden Zellenblock vor sich geht.

Der Film hätte eigentlich „Bradley“ heißen sollen, was der Hauptdarsteller ist Vince Vaughn s Charakter besteht darauf, dass alle ihn anrufen, nachdem sie ihn bereits Brad genannt haben. Der Film beginnt damit, dass Bradley von seinem Job als Automechaniker entlassen wird, was dazu führt, dass er früh nach Hause kommt, woraufhin er etwas miterlebt, das ihn dazu zwingt, ein Auto buchstäblich zu verprügeln. Vielleicht haben Sie diesen Teil im Trailer gesehen. Es ist verrückt, aber danach beruhigt sich der Film, während er eine schreckliche Spannung aufrechterhält.

Das Bild bewegt sich wirklich in eine andere Dimension, unter anderem eine von spektakulärer Gewalt, wenn Udo Kier auftaucht. Diejenigen unter Ihnen, die den deutschen Schauspieler kennen, wissen, dass er nicht der Typ ist, der normalerweise in einem Vince Vaughn-Film auftaucht. Es ist komisch. Absichtlich. Wie ' Die schlechte Charge “, der letztes Jahr in Venedig lief, ist dies ein amerikanischer Film, der auf potenziell befremdliche Weise gewagt ist. Ich war selbst nicht entfremdet, sondern eher beunruhigt und erfreut, und eher in Ehrfurcht vor vielen seiner Features, einschließlich seines Vintage-Song-Soundtracks mit Soul-Musik, der vom Regisseur mitgeschrieben und von vielen Old-School-Stars, darunter Butch Tavares, gesungen wurde.

Das Programm für dieses Festival spricht von einem argentinischen Regisseur Lucrezia Martell , „ihre Arbeit wurde auf den wichtigsten Filmfestivals der Welt gefeiert.“ Stimmt, und wie es sein sollte, denn sie ist eine der markantesten und wirklich visionärsten Filmemacherinnen, die heute arbeiten. Ihr neuer Film, 'Bleiben übrig,' ist ihr erster seit neun Jahren, anscheinend ein Alptraum, den es zu vollenden gilt, und eine äußerst willkommene Ergänzung zu diesem Festival. Und doch ist es ein schwer zu verdauender Film im Kontext eines Festivals.

Martels Film, eine Adaption eines Romans von Antonio di Benedetto, ist eine schlaue und formal geniale Verarsche an historisch-episches Geschichtenerzählen und den Kolonialismus an sich. Seine Titelfigur ist ein politisch impotenter Magistrat, ein Repräsentant der spanischen Krone in dem, was Ende des 18 ^th Jahrhundert. Der Film beginnt damit, dass er an einem Strand eine faux-weltgeschichtliche Pose einnimmt, bevor er sich ins Schilf zurückzieht, um zu versuchen, in der Nähe einiger schlammbadender indischer Frauen zu masturbieren. Das geht schlecht.

Zama ist ein Funktionär, der sich keinen Respekt verschaffen kann, und ein Großteil des Films dreht sich um seine erfolglose Bewerbung um eine Versetzung an einen anderen Ort, eine Suche, die ebenso umgeht wie K.s Bewerbung, das Schloss in diesem Kafka-Roman zu betreten. Die üppige Grafik wird im Handumdrehen erschütternd, und der Soundtrack hebt das Summen der natürlichen Welt ebenso hervor wie den Dialog; elektronische Klänge sind ebenfalls im Überfluss vorhanden und verleihen einen Hauch von gezieltem Anachronismus. Charaktere sprechen Zeilen aus der Reihe oder wiederholen sie ohne Grund, aber der Film verfolgt keine Art von „Lost in a Dream“ -Idee; bei Martels Licht wäre das unverzeihlich sentimental.

Es gibt Zeiten, in denen sich der Film mit seinen Wiederholungen und der Wiederverwendung von Schauspielern und schwebenden visuellen Motiven anfühlt, als hätte „The Saragossa Manuscript“ die eigentliche Prämisse seiner verschachtelten Handlungsstränge nie explizit enthüllt. Das ist es nicht ganz, aber es ist so nah, wie ich nach einer Besichtigung am Ende des Tages kommen werde. Ein paar meiner kritischen Weggefährten haben es hier in den letzten drei Tagen tatsächlich dreimal gesehen, und ich kann ihnen keinen Vorwurf machen.