Lieblich, nostalgisch und wundersam, Todd Haynes “ „Wonderstruck“ wirft einen magischen Zauber durch eine melancholische Geschichte, die zwei parallele Geschichten kreuzt, die in zwei verschiedenen Epochen angesiedelt sind. Angepasst von Brian Selznick aus seinem eigenen Bildband (der Autor, dessen Die Erfindung von Hugo Cabret war das Ausgangsmaterial für Martin Scorsese 's ' Hugo “) erweckt „Wonderstruck“ auf beeindruckende Weise zwei Kapitel der Geschichte New Yorks zum Leben, indem es den analogen (und letztendlich miteinander verbundenen) Reisen zweier nicht hörender Kinder folgt. In einem, der eine verträumte und wunderschöne Stummfilmbehandlung erhält, folgen wir Rose (der erstaunlichen Newcomerin). Millicent Simmonds , eine nicht hörende Schauspielerin im wirklichen Leben) in den 1920er Jahren, als sie sich auf die Suche nach ihrer Mutter, einer Schauspielerin, Lillian Mayhew ( Julianne Moore ). Auf der anderen Seite Ben ( Oakes Fegley ) und Jamie ( Jaden Michael ) führen uns in die düsteren Straßen der Stadt der 1970er Jahre mit einer eigenen Abenteuer- und Familienmission.

Aus Carter Burwell 's exquisite Partitur zu Ed Lachmann ’s atemberaubender Fotografie ist dieses überwältigend ehrgeizige Projekt – vielleicht der größte Film in Haynes‘ Karriere, gemessen an Umfang und Umfang – ein handwerkliches Spektakel auf höchstem Niveau. Es überrascht nicht, dass seine Kostüme von den Unnachahmlichen und Legendären entworfen wurden Sandy Powell – spielen eine der wichtigsten Rollen beim visuellen Erzählen der beiden miteinander verbundenen Geschichten, während sie zwei völlig gegensätzliche Epochen des Big Apple durch erhabene Details von Vordergrund- und (insbesondere) Hintergrundkostümen präsentieren. Der 12-fach Oscar-nominierte und dreimal preisgekrönte Kostümdesigner (mit früheren Siegen für „ Shakespeare in der Liebe ,' 'Der Flieger' und ' Die junge Viktoria “, während „Wonderstruck“ sehr wohl ihr vierter Oscar sein könnte) teilte ihre Herangehensweise an dieses Monster von einem Projekt, das sie zu Recht als das Einkleiden zweier separater Filme und die einzigartigen Herausforderungen der Kostümierung für Schwarz-Weiß ansieht.

Sie sind nicht nur Kostümdesigner, sondern auch Executive Producer bei „Wonderstruck“. Todd Haynes erwähnt oft, dass Sie ihn zuerst auf Brian Selznicks Buch aufmerksam gemacht haben.

Ich habe Brian während der Dreharbeiten zu „Hugo“ kennengelernt, dem Martin-Scorsese-Film, für den ich die Kostüme entworfen habe. Es basierte [auch] auf Brians Buch, obwohl er das Drehbuch nicht geschrieben hat. Aber wir haben uns getroffen und sind Freunde geworden. Und dann habe ich „Wonderstruck“, das Buch, das auf „Hugo“ folgte, tatsächlich nicht gelesen, bis ich ihn in seinem Haus in San Diego in La Jolla besuchte. Eines Tages nahm ich es aus dem Regal und las es in einem Rutsch und sagte: 'Brian, das würde ein großartiger Film werden!'

Ich denke, was meiner Meinung nach einen großartigen Film abgeben würde, ist (wie bei Brians Büchern üblich): Seine Bücher bestehen zu 50 % aus Illustrationen. Er erzählt die Geschichte wortlos mit Illustrationen. Es ist entweder irgendwie mit Erzählung vermischt, wie in „Hugo“, oder es besteht zur Hälfte aus Dialogen und zur Hälfte aus Bildern, so wie [„Wonderstruck“] ist. Es begann mit einer sehr visuellen Erfahrung, eine Geschichte zu lesen. Und ich dachte nur, optisch wäre es wirklich interessant. Und die Tatsache, dass es tatsächlich die beiden Perioden abdeckt, wäre ein wirklich interessantes Konzept für einen Film, besonders für Kinder, dachte ich.

Wie sind Sie an diese gigantische Aufgabe herangegangen, zwei völlig unterschiedliche Epochen kostümgestalterisch abzudecken? Es handelt sich nicht nur um zwei verschiedene Perioden, sondern auch um gegensätzliche Perioden. Die Stimmung in den 20er Jahren ist nicht wie in den 70er Jahren.

Exakt.

War es so, als würde man zwei separate Filme entwerfen?

Es war. Ich denke, genau so war es. Es ist, als würde man zwei separate Projekte in einem zusammenfassen. Ich meine, man muss für jeden anders denken. Obwohl der Designprozess derselbe ist. Wie Sie bei der Erstellung der Kostüme und der Gestaltung der Looks vorgehen, ist auf die gleiche Weise gedacht. Allerdings musste man sich und sein Team fast in zwei verschiedene Gruppen einteilen. Eine, die sich mit den 1920er Jahren befasst, oder bestimmte Wochentage, die sich mit den 1920er Jahren befassen, und bestimmte Wochentage, die sich mit den 1970er Jahren befassen. Offensichtlich gab es Gelegenheiten, bei denen man versuchen musste, beides am selben Tag zu tun und sich von den 20er-Jahren in die 70er-Jahre und dann wieder zurückzuversetzen. Genau so war es. Und interessanterweise arbeite ich gerade an einem Film [Martin Scorseses „The Irishman“] in New York City, der drei verschiedene Epochen abdeckt.

Oh wow.

Und das ist noch mehr Arbeit. Unsere größte Publikumsszene besteht aus ungefähr 300 Leuten, und Sie würden immer nur diese 300 Leute haben, um sich anzuziehen und sich in verschiedenen Szenen zu bewegen. Aber weil es zwei unterschiedliche Perioden gibt, hat man 300 Leute in den 70ern und dann 300 Leute in den 20ern. Es ist also eigentlich doppelt so viel Arbeit in der gleichen Zeit und für das gleiche Geld, das man normalerweise bekommen würde, um einen Film mit einer Periode zu machen. Das war also eine Herausforderung.

Und dann gibt es in „Wonderstruck“ noch eine dritte und vierte Dimension zusätzlich zu den zwei Zeitabschnitten, wenn man daran denkt, Lillian Mayhew (Julianne Moore) einzukleiden, während sie auf der Bühne und auf der Leinwand agiert. Außerdem gibt es noch die Flashback-Szene mit den Puppen.

Das ist richtig. Wir decken tatsächlich das wirkliche Leben in den 1920er und 1970er Jahren ab. Und dann Theaterkostüme sowohl für das Bühnenkostüm als auch für den Stummfilm. Und dann ist da noch der animierte Teil am Ende. Es ging nicht um Kostüme, aber ich war an der Arbeit mit den Modellbauern beteiligt, um Vorschläge zu machen, was die kleinen Modelle der Charaktere tragen. Es gibt viele Elemente.

Dies ist das erste Mal, dass Sie etwas schwarz auf weiß gemacht haben. Wenn Sie Farbe entfernen, entfernen Sie gewissermaßen eine ganze visuelle Ebene von Ihren Designs. Ich frage mich also, ob das Segment der 20er Jahre in dieser Hinsicht eine einzigartige Herausforderung für Sie war.

Es war und es ist interessant. Du hast absolut recht, es hat etwas weggenommen. Und [Farbe ist] normalerweise das Element, mit dem ich beginne. Es war so, als würde man zurückgehen und neu anfangen und einen Prozess ohne ein Schlüsselelement lernen. Normalerweise habe ich eine Vorstellung davon, welche Farbe jemand trägt, bevor ich die Einzelheiten kenne. Ich denke sehr viel in Farbe. Für die 1920er-Sektion ohne Farbe gab es [es war nicht so] keine Farbe [an sich], aber es gab verschiedene Töne und einfarbig . Also musste ich in Ton und Kontrast statt in Farbe denken. Normalerweise würde ich etwas zusammenstellen, wie es formtechnisch funktioniert und auch sehr viel darüber, wie Farben zusammenwirken. Und wie sie zusammenarbeiten, um ein Ganzes zu schaffen.

Ich würde damit beginnen, das zu tun, was ich normalerweise tun würde. Ich würde [Millicent Simmonds], der die junge Rose spielt, Kostüme anpassen, je nachdem, wie ich sie sehen möchte. Und dann haben wir es durch eine Kamera betrachtet, mit einem Schwarz-Weiß-Filter darauf oder haben Schwarz-Weiß-Fotos gemacht. Und nicht selten sieht das, was toll aussieht, auf Schwarz-Weiß wirklich fad aus. Das war, als ich einen ganz anderen Prozess lernen musste, Dinge zusammenzusetzen, die tatsächlich schwarz auf weiß funktionierten. Was sehr oft Farben waren, die ich niemals zusammen verwenden würde.

Was ziemlich interessant ist. Einerseits hat es einige Dinge viel einfacher gemacht. Als wir zum Beispiel große Statistenszenen einkleideten, musste ich mir keine Sorgen machen: „Ich habe keinen Hut, der zu diesem Mantel passt.“ Denn durch eine Schwarz-Weiß-Linse funktioniert es. Aber manchmal fand ich es selbst schwierig, die Dinge am Set tatsächlich zu betrachten und zu denken: 'Für mein Auge sieht es wirklich komisch aus, aber vor der Kamera wird es gut.' Es war ein Prozess der Fotos, selbst als ich nach Stoffen suchte, aus denen ich Kostüme herstellen konnte. Ich würde sie zuerst fotografieren: fotografiere diesen Stoff gegen den Kleiderstoff gegen den Mantelstoff gegen den Rockstoff oder gegen die Textur der Hose. Ich würde sie zusammen fotografieren, bevor ich eine Entscheidung treffe.

Haben Sie sich auf die Stummfilmzeit bezogen und sich Filme aus dieser Zeit angesehen?

Ja auf jeden Fall. Ich schaue mir eigentlich immer Filme aus einer Zeit an [wenn ich recherchiere]. Und zumal dieser von Stummfilmen inspiriert wurde. Aber davon kann man nur so viel mitnehmen. Sie schauen sich an, wie sie aussehen und wo der Kontrast ist, und dann sagte Ed Lachman, unser Kameramann, tatsächlich, dass es für ihn viel interessanter wäre, die texturiertesten Materialien und die extremsten Kontraste zu haben. Er sagte, das würde es für ihn interessanter machen.

Im 70er-Segment scheint es eine bestimmte Farbpalette zu geben. Sicher, es gibt Rot und andere Farben, aber ich hatte das Gefühl, dass es eher erdige Töne wie Orange, Braun und Gelb waren ...

Ich denke, das hatte viel damit zu tun, wie der Film behandelt wurde und was Ed mit dem Look des Films erreichen wollte. Weil [der 20er-Abschnitt] des Films wie Schwarz-Weiß-Filme aussieht. Und die [70er-Sektion] sieht aus wie Filme, die tatsächlich in den 70er Jahren gedreht wurden, wo das Filmmaterial anders war als heute. Und das war die Idee. Es fühlt sich sehr gelblich, orange an.

Aber abgesehen davon waren viele Farben in den 70er Jahren [in der Tat] Braun und Orange. Da wir Originalkleidung aus dieser Zeit verwendet haben, haben Sie das bekommen. Sie haben das bekommen, was damals in Mode war, nämlich eine Menge Braun- und Orangetöne. Aber dann gab es Purpur und Rosa, und es gab dort alle Farben des Spektrums. Aber wie es in den Dreharbeiten behandelt wurde, ist, wie man dieses Gesamtgefühl bekommt. Es sieht wirklich aus wie die Filme, die ich in den 70er Jahren gesehen habe, oder als wir uns das Material aus dieser Zeit noch einmal zur Recherche angeschaut haben. Das war wirklich der Zweck und ich denke, Sie haben bemerkt, dass es funktioniert hat.

Das tat es wirklich! Und der Hintergrund erzählt die Geschichte der Stadt in dieser Zeit. Es ist um die „Drop Dead“-Periode von New York City. Aber dann sehen alle cool und trotzig aus, in gewisser Weise sogar rebellisch. Es gibt viele freiliegende Taillen in der Kleidung, die Sie auf den Straßen sehen.

Diese Straßenszenen in den 70er Jahren waren wahrscheinlich meine Lieblingsstücke des Films. Denn was wir mit den Statisten in den 1920er und 1970er Jahren versuchten, war wirklich die Welt zu erschaffen, die neue Welt, in die diese Kinder aus viel ruhigeren Gegenden kamen. Beide trafen New York City. Und obwohl es in verschiedenen Jahrzehnten ist, ist es der gleiche Effekt, weil sie mit dieser Art von Menschenmenge bombardiert werden. Und für die 70er besonders. 1977 war eine Zeit, in der New York ein ziemlich gefährlicher und schmutziger Ort zum Leben war. Es hatte sanitäre Streiks und so etwas gegeben. Es war dreckig und heruntergekommen, es gab Arbeitslosigkeit. Überall war viel Chaos. Und das Gebiet, in das er bei Port Authority hineingeht, ist ein sehr gemischtes Gebiet. Es sind Menschen auf dem Weg zur Arbeit, auf dem Heimweg von der Arbeit, aber auch viele Arbeitslose, viele Arme.

Wir wollten wirklich einen riesigen, breiten Teil der Gesellschaft schaffen. New York ist voll von verschiedenen Charakteren, verschiedenen Rassen. Menschen, die er vorher nie gesehen hätte. Was wirklich Spaß macht und wirklich herausfordernd ist, wenn Sie Statisten anpassen. Es geht nicht nur darum, Menschen Kleidung anzuziehen, sondern auch darum, die richtigen Leute zu finden, die aussehen, als wären sie aus den 70ern, um die Kleidung zu tragen und dann die Charaktere um sie herum zu erschaffen. Jemand kommt zu einer Anprobe und Sie sehen ihn an und sagen: „Okay, was können wir mit dieser Person machen? Was würde diese Person tragen? Wohin würde diese Person gehen?“

Wir haben das gleiche in den 1920er Jahren gemacht, aber es war anders, weil Rose in den 1920er Jahren von der Fähre in den Financial District kommt. Und dies zu einer Zeit, als es aufging, als es wohlhabend und gedeihend war und es gut ging. Das Publikum dort war sehr unterschiedlich. Die Leute sind beschäftigt, auf dem Weg zur Arbeit, und es gab viel mehr Wohlstand. Und es war nicht so eine Mischung oder ein breiter Querschnitt.

Ich dachte, es gäbe einen klaren Unterschied zwischen der Kleidung des New Yorkers Jamie [Jaden Michael] und dem Vorstadt-Ben [Oakes Fegley] im 70er-Segment.

Du hast absolut recht. Das ist ein guter Punkt. Das gestreifte T-Shirt und die Jeans an Jamie waren viel urbaner. Und die anderen Kinder trugen natürlich ein kariertes Hemd [und Khakis], was viel generischer ist.

Michelle Williams trägt zu Beginn des Films zu Hause ein fabelhaftes Gewand. Es ist ein wunderschönes Kleidungsstück, das mich beide Male nach Luft schnappen ließ, als ich „Wonderstruck“ sah. Und für die Geschichte selbst ist es sehr spezifisch Kostüm-Moment .

Es gibt eine Geschichte hinter [dieser Robe]. In der Geschichte wird nicht wirklich erwähnt, dass sie etwas Besonderes trägt. Aber dann, als [Ben] seinen Cousin wieder in ihrem eigenen Haus trifft, in seinem alten Haus, und das Drehbuch sagt, dass er durch die Tür schaut und er seine Mutter sieht. Und es stellt sich heraus, dass es sein Cousin ist, der die Kleidung seiner Mutter trägt. Dann zieht sie es schnell aus und rennt weg. Und es wurde nicht wirklich gesagt, was die Kleidung war, als es für das Drehbuch geschrieben wurde. Ich denke, es könnte ein Schal gewesen sein, und ich sagte: 'Ein Schal ist ein bisschen komisch.' Es musste ein völlig unverwechselbares Kleidungsstück sein, das er und das Publikum sofort als das erkennen würde, was an der Mutter zu sehen war. Aber es musste auch sehr schnell gehen. Und ich dachte: 'Nun, was trägt jemand mitten im Sommer, das er wirklich schnell ausziehen kann?'

Ich meine, es ist genau das, was es eigentlich ist, eine Robe. Es ist Teil eines Pyjama-Sets aus den 1930er oder 20er Jahren. Und in den 1970er Jahren, ich erinnere mich daran, weil ich in den 1970er Jahren ein Teenager war, gab es eine echte Popularität von Vintage-Kleidung, insbesondere der 20er und 30er Jahre. Und als Teenager bin ich tagsüber in 30er-Jahre-Teekleidern herumgelaufen. Es ist also etwas, das eine junge, unkonventionelle Frau in einem Secondhand-Laden gekauft hätte. Ein fabelhaftes Kleidungsstück, das sie in einem Secondhand-Laden nichts gekostet hätte. Sie zog es an und es war ihre Lieblingssache. Aber es hatte ein wirklich unverwechselbares Muster darauf, damit es die Geschichte tatsächlich erzählen würde.

Seit Cannes suche ich online nach etwas Ähnlichem. Ich bin durchgefallen.

[lacht] Sie müssen nach Art-Deco-Pyjamas der 1920er und 1930er Jahre suchen, oder Sie werden sie nicht finden.

Bei Ihrem anderen Film, den ich dieses Jahr in Cannes gesehen habe, „How to Talk to Girls at Parties“, bin ich fasziniert von dem Look, den Sie gefunden haben Nicole Kidman . Es hat diese ausgeprägte 70er-Punk-Attitüde, aber auch, und vielleicht ist das nicht das richtige Wort, es fühlte sich für mich irgendwie futuristisch an.

Ich hielt sie nicht wirklich für futuristisch oder mit den Außerirdischen verbunden. Natürlich habe ich bei außerirdischen Charakteren daran gedacht, was die Menschen in der Zukunft tun. Oder was würden Außerirdische tun, wenn sie auf die Erde kommen? Sie versuchen, das zu kopieren, was die Menschen auf der Erde tragen. Das waren die Außerirdischen. Und für Nicole Kidman hatte ich mir einen Punk-Look ausgedacht, da sie Modedesignerin war. Und sie musste als Modedesignerin ihren eigenen einzigartigen Look haben. Es hat sich also wirklich etwas einfallen lassen. Alles, was sie trägt, besteht aus Vintage-Sachen und Sachen, die wie die Ketten an einer alten Smokingjacke klingen. Es ist irgendwie so, wie Kleidung, wie Punk-Kleidung wirklich begann, indem sie nutzte, was es gab. Ich habe nur versucht zu denken, Wenn ich in den 70ern Modedesigner wäre und versuchen würde, mir einen anderen Look auszudenken, welcher wäre das?