Der dritte Tag beinhaltete zwei der am meisten erwarteten Ereignisse des Ebertfests: die Rückkehr der Festival-Stammgäste The Alloy Orchestra, die ihre neueste Live-Musikbegleitung zu einem Stummfilmklassiker präsentierten, und die Ankunft der Frau, die wohl die größte Schauspielerin ist, die heute im Kino arbeitet, Isabelle Huppert , ihren neusten Triumph zu präsentieren, das Schockierende Paul Verhoeven Thriller“ Sie .“ Die Erwartungen an diesen besonderen Tag mögen hoch gewesen sein, aber diese beiden Veranstaltungen, zusätzlich zu der schönen und mitreißenden Dokumentation, die den Auftakt machte, wurden dem Hype mehr als gerecht.

Das Tagesprogramm begann mit einem besonderen Leckerbissen: „ Juli und Mitte August “, ein Kurzfilm unter der Regie von Brandeaux Tourville und geschrieben von RogerEbert.com Mitwirkende Sheila O’Malley. Es beobachtet Neve ( Annika Markus ) und Jack ( Robert Bäcker ), zwei ehemalige Liebende, die sich ein paar Jahre nach dem Ende ihrer Beziehung – deren Länge dem Film seinen Titel gibt – eines Nachts in einer Bar wiederfinden und in einem Gespräch, das im Laufe der Zeit immer voller Zweifel und Verleugnung wird, über Dinge streiten. Da, wie ich bereits erwähnt habe, O’Malley zu dieser Seite beiträgt, scheint es nicht sehr angemessen, dem Film eine angemessene Rezension zu geben, und ich werde dies daher vermeiden. Mit anderen Worten, ich werde Ihnen nicht sagen, dass das Drehbuch ziemlich stark ist, da es uns zwei vollständig ausgearbeitete Charaktere bietet und überzeugend darstellt, wie die beiden einander und sich selbst belügen, was in der Vergangenheit passiert ist und wie es sie bis heute beeinflusst. Ich werde nicht erwähnen, dass Tourville es schafft, den Film visuell beeindruckend zu machen, obwohl er vollständig in einer schmuddeligen Bar spielt – nicht weniger als einer renovierten Bar der Green Bay Packers –, indem er genau die Momente kennt, in denen von einer Person zur anderen geschnitten werden muss. und durch die auffällige Schwarz-Weiß-Fotografie. Vor allem werde ich sicherlich nicht erwähnen, dass O'Malley erwähnt hat, dass der Kurzfilm tatsächlich Teil eines geplanten Spielfilms ist, der die gesamte Beziehung zwischen Neve und Jack aufzeichnet, und dass ich es basierend auf dem hier gezeigten Teil kaum erwarten kann um den Rest zu sehen.

Es folgte der Dokumentarfilm „ Sie nennen uns Monster “, die auf dem Festival von der Regisseurin präsentiert wurde Ben Lear und Koproduzent Sascha Alpert . Der Film folgt drei jungen Männern in einer Jugendhaftanstalt – Jarad, Antonio und Juan – die an einem Drehbuchprogramm teilnehmen, das von einem Lehrer unterrichtet wird Gabriel Cowan und verfolgt ihre Schicksale auf ihrem Weg durch das Gerichtssystem, das erwägt, sie als Erwachsene wegen Verbrechen vor Gericht zu stellen, die zwar unbestreitbar abscheulich sind, aber als Teenager begangen wurden. Durch den Satz, den ich gerade geschrieben habe, haben Sie sich zweifellos bereits ein Bild davon gemacht, wie der Film aussieht, und ich versichere Ihnen, dass es mit ziemlicher Sicherheit falsch ist, was auch immer Sie denken. Anstatt sich ausschließlich darauf zu konzentrieren, dass Cowan seinen Schülern die Schönheit der Kunst als Alternative zu der Gewalt und Grausamkeit beibringt, die sie den größten Teil ihres Lebens kennen, nutzt es die Drehbuchschreibsitzungen als Ausgangspunkt, um ihr Leben zu untersuchen und sich darin zu vertiefen die Gründe, warum sie dort gelandet sind, wo sie sind. (Wir sehen Szenen aus dem Drehbuch, das sie sich ausgedacht haben, inszeniert mit Schauspielern von Cowan, die über den ganzen Film verteilt sind.) Gleichzeitig lässt der Film sie auch nicht unbedingt vom Haken, indem er sie nur als missverstandene Kinder darstellt in einer schlimmen Situation – an einer Stelle gibt es ein Interview mit einem Opfer von Jarads Drive-by-Schießen und ist nun infolgedessen gelähmt, was uns aufs Schärfste daran erinnert, dass unseren Untertanen eine Reihe von schlimmen Einbrüchen zugefügt wurden ihr Leben, ihre Taten haben andere verletzt. Wir bekommen auch einen Blick darauf, wie das äußere System ihr Schicksal beeinflusst, sei es durch die Debatte über den Senatsentwurf 260, der darauf abzielt, Menschen, die als Minderjährige Verbrechen begangen haben, mehr Möglichkeiten zu geben, auf Rehabilitierung und Bewährung hinzuarbeiten, oder durch die Handlungen einer Anwältin, die mit ihren Fähigkeiten prahlt, sich aber in ihrem Job als inkompetent erweist.

Während der Fragen und Antworten nach der Vorführung sprach Lear (der Sohn des Fernsehproduzenten und Ebertfest-Gast 2017 Norman Lear ) erwähnte, dass er zu diesem Film inspiriert wurde, als er ein herkömmliches Spielfilmprojekt recherchierte, das er dann beiseite legte. Ich weiß nicht, was daraus werden wird, aber es ist schwer vorstellbar, dass irgendein Merkmal das gleiche Maß an Macht vermittelt wie „ Sie nennen uns Monster .“ (Der Film soll derzeit im Mai auf PBS erscheinen. Außerdem sind The Chaz and Roger Ebert Die Stiftung stellte eine Spende zur Verfügung, die für die soziale Aktionskampagne des Films verwendet wurde.)

Als nächstes kam The Alloy Orchestra, ein Drei-Mann-Ensemble, das sich einen Namen gemacht hat, indem es Originalpartituren für Stummfilmklassiker kreierte und aufführte, wobei es eine Reihe von ausgefallenen Instrumenten verwendete, die alles von Synthesizern über Banjos bis hin zu singenden Sägen umfassten. Sie live auftreten zu sehen, ist ein außergewöhnliches Erlebnis – ihnen im Orchestergraben zuzusehen, wie sie mit ihren Instrumenten eine beliebige Anzahl lebhaft dargestellter Klanglandschaften erschaffen, ist so faszinierend, dass sie so fesselnd sind wie die Filme, die sie vertonen, keine unbedeutende Qualität seither haben ihre Talente in einige der größten Stummfilme aller Zeiten eingebracht. Das diesjährige Angebot war „ Vielfalt “, ein außergewöhnlicher Film aus dem Jahr 1925, der die Talente von drei der berühmtesten Mitglieder der deutschen Filmindustrie dieser Zeit vereinte – Regisseur und Co-Autor Ewald Andre Dupont, Schauspieler Emil Jannings und Kameramann Karl Freund – in einem bildgewaltigen Melodram von so überdimensionalen Emotionen, dass es nur aus der Stummfilmzeit stammen kann, weil Filme heute einfach zu schüchtern sind, um sich so weit zu gehen wie dieser. Erzählt in einer Reihe von Rückblenden aus den Gefängnissen, erzählt es die seltsame und traurige Geschichte von Boss Huller (Jannings) und wie er dort gelandet ist, wo er ist. Als wir ihn zum ersten Mal sehen, ist er ein ehemaliger Akrobat, der jetzt ein einigermaßen glücklicher Familienvater mit einer Frau und einem kleinen Kind ist, dessen Leben mit der Ankunft von Bertha-Marie (Lya de Putti), einer schönen jungen Akrobatin, auf den Kopf gestellt wird ist gerade aus unbekannten Teilen eingetroffen. Boss ist sofort besessen und nachdem er bestenfalls symbolischen Widerstand geleistet hat, beschließt er, Frau und Kind zu verlassen und mit Bertha-Marie loszuziehen, um einen neuen akrobatischen Akt zu beginnen. Unterwegs nehmen sie mit Artinelli (Warwik Ward) einen dritten Partner auf und für eine Weile laufen die Dinge reibungslos, aber es wird schnell für alle außer Boss klar, dass sich etwas zwischen Artinelli und Bertha-Marie entwickelt. Als Boss endlich herausfindet, was vor seiner Nase passiert ist, sei gesagt, dass die Arbeit ohne Netz nicht mehr das Gefährlichste ist, dem sich die drei stellen müssen.

Wie gesagt, der Film ist ein reines und unverfrorenes Melodrama, und nur eine trockene Wiedergabe der Fakten könnte ihn wie eine alberne Seifenoper nach dem Vorbild des nicht ganz klassischen Burt Lancaster-Tony Curtis-Gina Lollabrigida-Dramas „Trapeze“ ( 1955), aber „Variete“ ist alles andere als das. Dies ist einer der visuell beeindruckendsten Filme der gesamten Stummfilmzeit, da Freund eine schwindelerregende Reihe visueller Überraschungen heraufbeschwört, die die heutigen aufwendigen CGI-Spektakel im Vergleich dazu irgendwie mickrig erscheinen lassen. Und doch funktioniert der Film aus mehr Gründen als nur den unglaublichen technischen Errungenschaften, die Freund (der später eine Karriere hatte, in der er Klassiker wie „Dracula“ und „Key Largo“ (1948) drehte), direkte Kultfavoriten wie „ Die Mumie “ (1932) und „ Verrückte Liebe “ (1935) und mit seinem revolutionären Werk „I Love Lucy“ im Grunde die visuelle Grammatik des Fernsehens erfinden) durchsetzen konnte. Jannings, der später den allerersten Oscar als bester Hauptdarsteller gewinnen sollte, ist eine vulkanische, aber seltsam berührende Präsenz als Boss, und Lya de Putti ist eine so faszinierende Präsenz wie Bertha-Marie, dass man ohne Probleme glauben kann, mit welcher Leichtigkeit sie führt die Männer in ihrem Leben entlang. Dupont sorgt dafür, dass alles wunderbar am Laufen bleibt, der Szene für Szene effektiv einbricht, ohne die Dinge völlig aus den Fugen zu bringen. Von den drei Hauptakteuren war seine Karriere die einzige der drei, die den Übergang in die Sound-Ära nicht wirklich geschafft hat, schade, denn basierend auf seinen Leistungen hier bekommt man das Gefühl, dass er alles schaffen könnte. An einem Punkt während der Fragen und Antworten nach der Vorführung kommentierte eines der Mitglieder des Alloy Orchestra die Verwendung einer Singsäge als wiederkehrendes Motiv im Film, indem es sie als „romantisch und verstörend“ beschrieb, eine Beschreibung, die auf „Variete ” perfekt.

Der krönende Abschluss des Tages war „ Sie “ und da so viel darüber geschrieben wurde, seit er das Publikum bei seiner Premiere bei den Filmfestspielen von Cannes im vergangenen Jahr erschreckte, werde ich nicht auf eine ausführliche Wiederholung der Handlung eingehen, einen Thriller im Hitchcock-Stil über eine harte und kontrollierende Geschäftsfrau die zu Beginn des Films von einem maskierten Angreifer gewaltsam vergewaltigt wird und aus Gründen, die allmählich klar und verständlich werden, beschließt, die Polizei nicht zu kontaktieren und stattdessen ihre eigene Katz-und-Maus-Verfolgung beginnt, die einige sehr seltsame und unerwartete Wendungen nimmt und dreht sich auf dem Weg. Wenn Sie es gesehen haben, dann wissen Sie, was für eine Meisterleistung es ist. Wenn nicht, möchte ich nichts darüber sagen, was es in irgendeiner Weise verderben könnte. Stattdessen biete ich nur zwei persönliche Beobachtungen an, nachdem ich es mir im Virginia noch einmal angesehen habe:

1. Als ich letztes Jahr meine Liste der 10 besten Filme des Jahres 2016 aufstellte, führte ich „Elle“ auf Platz 2 ein, direkt hinter „ La La Land .“ Obwohl meine Liebe zu „La La Land“ überhaupt nicht nachgelassen hat, muss ich gestehen, dass ich, wenn ich diese Liste heute präsentieren würde, die Positionen umkehren und „Elle“ den Platz 1 geben würde, den es so sehr verdient.
2. Isabelle Huppert hat mehr großartige Leinwandauftritte abgeliefert als so ziemlich jede andere Schauspielerin, die heute arbeitet, viel zu viele, als hier möglicherweise aufgelistet werden können. So großartig diese Wendungen auch waren – und sie ist eine jener Schauspielerinnen, die großartig sein können, selbst wenn die Filme insgesamt eher zwielichtig sind – ihre Arbeit in „Elle“ ist der Höhepunkt ihrer erstaunlichen Karriere. Wenn es Gerechtigkeit auf der Welt gäbe, wäre es ihr Name in dem versehentlich übergebenen Umschlag gewesen Warren Beatty in der Oscar-Nacht.

Unter der Leitung von Michael Barker, dem Co-Präsidenten von Sony Classics, der der Vorführung mit einem Clip-Reel einiger ihrer denkwürdigsten Bildschirmmomente und einer Würdigung ihrer Arbeit in dem meisterhaften „Heaven's Gate“ vorausging, folgten die Fragen und Antworten mit Huppert nach der Vorführung schnell wurde zu einer Feier ihrer außergewöhnlichen Karriere. Obwohl ihre Persönlichkeit auf der Leinwand cool und ausgesprochen unsentimental wirken kann, ist Huppert persönlich eine absolute Freude und verzauberte die gesamte Menge, als sie über ihre Karriere sprach. In Bezug auf „Elle“ lobte sie Verhoeven als jemanden, mit dem sie immer zusammenarbeiten wollte („Ich hätte Robocop oder ein Starship Trooper sein können!“) und verriet, dass sie sich nicht übermäßig auf ihre Rollen vorbereite, weil für sie „Filmemachen ist immer über die Gegenwart.“ Von da an weitete sich das Gespräch auf ihre gesamte Karriere aus und behandelte Themen wie „Rosebud“, den seltsamen Terror-Thriller von 1975 Otto Preminger Das war einer ihrer allerersten großen Filme, die berüchtigte Produktion und Rezeption von „Heaven’s Gate“ (den sie als „einen teuren Traum“ bezeichnete), die Zusammenarbeit mit Filmemachern wie Michael Hanke und die späte Claude Chabrol und berührte sogar, wie beeindruckt sie von der trainierten Katze war, die einige der denkwürdigeren Momente in „Elle“ liefert. Danach trotzte sie nicht nur den gelegentlich seltsamen Fragen des Publikums, sondern blieb auch noch bei der Post-Screening-Party, nachdem viele der anderen Gäste gegangen waren, ein passender Abschluss eines ziemlich unvergesslichen Tages.