Wenn Ihnen die Making-of-Dokumentationen auf DVD und Blu-ray-Ausgaben von Filmen gefallen haben Alfred Hitchcock , Steven Spielberg , Brian de Palma , Sydney Lumet oder Martin Scorsese , die Chancen stehen gut, dass Sie auf die Arbeit von gestoßen sind Laurent Bouzereau . Nur wenige Menschen haben meine Liebe zum Kino so erweitert und bereichert wie dieser unermüdliche Filmemacher, dessen unschätzbare Analysen klassischer Bilder lange vor meinem College-Eintritt als meine Filmschule dienten. Seine aufschlussreiche Reihe von Featurettes über Spielbergs „ KI Künstliche Intelligenz “ ließ mich den Film in einem ganz neuen Licht sehen und verwandelte ihn von einer frustrierenden Kuriosität in ein mutiges Meisterwerk. Bouzereau hat auch den Nervenkitzel eines Live-Auftritts eingefangen John Williams Aufführung, als der legendäre Komponist seine Partitur für „ E.T. Der Außerirdische “ vor ausverkauftem Haus im Shrine Auditorium, zu Ehren des 20. Jubiläums des Films. Unzählige Abschnitte von Bouzereaus eigenen Werken verdienen es, auch an Filmhochschulen studiert zu werden, wie etwa der meisterhaft bearbeitete Prolog zu seiner Dokumentation über Hitchcocks unterschätztes Remake von „The Man Who Knew Too Much“ von 1956, der den gesamten emotionalen Bogen des Bildes vermittelt unter zwei Minuten.

Doch vielleicht war die Krönung von Bouzereaus Karriere „ Fünf kamen zurück “, ein umwerfender Film, der auf basiert Markus Harris ’ unverzichtbares Buch über die fünf Hollywood-Regisseure, die den Zweiten Weltkrieg aus erster Hand dokumentiert haben, darunter Frank Kapra , dessen „It’s a Wonderful Life“ ebenso ein Meilenstein der Nachkriegszeit ist wie „ Die besten Jahre unseres Lebens .“ Obwohl „Five Came Back“ im vergangenen März als dreiteilige Miniserie auf Netflix veröffentlicht wurde, ist es auch ein dreistündiges Werk, das es verdient, neben den besten Filmen der letzten Jahre eingestuft zu werden. Zu Ehren seines neuesten Dokumentarfilms auf der neu erschienenen CD von “ Bereit Spieler Eins “, sprach Bouzereau mit RogerEbert.com über seine lebenslange Besessenheit vom Kino, seinen akribischen Rechercheprozess und die Enthüllungen hinter den Kulissen, die seinen Job so bereichernd machen.

Ihre Arbeit hat so viele Menschen auf der ganzen Welt dazu inspiriert, die Arbeit großartiger Filmemacher neu zu bewerten, und im Zuge dessen sind Sie wirklich zu einem meiner Lieblingsfilmemacher geworden.

Zunächst einmal vielen Dank für Ihre freundlichen Worte. Ich werde das Kompliment annehmen, obwohl ich mich nicht so sehe. Man sieht sich selbst nie als jemand mit Einfluss oder Bedeutung an, aber wenn Leute zu mir kommen und sagen: „Oh mein Gott, ich habe ‚The Making of ‚Jaws‘‘ gesehen und es war, als würde ich zur Filmschule gehen“, bestätigt das warum ich diese Dokumentarfilme überhaupt gemacht habe. Meine Absicht war es, die endgültige Enzyklopädie zu jedem dieser Filme zu erstellen, indem ich das Handwerk und jedes einzelne Talent dahinter hervorhob. Als Film ursprünglich geschaffen wurde, sollte er nicht mehr als einmal erlebt werden – anders als Musik oder Malerei oder Fotografie. Aber mit der Entwicklung der Heimunterhaltung konnten Sie diese Filme auf Video und Discs bekommen. Es gibt einigen Filmen eine zweite Chance und bietet gleichzeitig eine andere Perspektive auf viele Klassiker, die es den Zuschauern ermöglicht, sie neu zu erleben, genau wie Sie es mit einer guten Platte oder einem Lied oder Musikstück tun würden.

Ich denke, es ist so wichtig zu dokumentieren, wie diese Filme gemacht werden, weil es dem Zuschauer ermöglicht, eine frische neue Perspektive auf sie einzubringen und dadurch eine neue Wertschätzung zu erlangen. Wenn Fans von „ Kiefer ” die Geschichten hinter den Kulissen erfahren, werden sie anfangen, der Musik oder einem anderen Aspekt des Handwerks Aufmerksamkeit zu schenken. Es ist, als würde man ein großartiges Buch lesen, nur um hinterher herauszufinden, dass der Autor gestorben ist oder es das einzige Buch ist, das der Autor geschrieben hat. Plötzlich geben Ihnen diese Informationen eine neue Perspektive auf die Arbeit. Wenn Sie sich „The Making of ‚Jaws‘“ ansehen, stellen Sie fest, dass viele der gruseligsten Szenen so gestaltet wurden, weil der Hai nicht funktionierte. Es macht mich so glücklich, wenn die Leute die Mühe wertschätzen, die ich in diese Filme gesteckt habe.

Was hat Sie dazu inspiriert, Erinnerungsstücke für Spielberg- und De Palma-Filme nach ihrer Erstveröffentlichung zu sammeln?

Um Ihre Frage zu beantworten, muss ich Ihnen von meiner ersten Begegnung mit der Kunstform erzählen. Meine Mutter führte ein Tagebuch über mein Leben im Alter von null bis sieben Jahren, und anscheinend sagte ich, als ich fünf Jahre alt war, dass ich Filmregisseurin werden wollte. Ich lebte in einer kleinen Stadt außerhalb von Paris, und ich erinnere mich, dass ich ins Kino gegangen bin und überhaupt nicht auf die Leinwand geschaut habe. Ich blickte zurück auf den Lichtstrahl und fragte mich, woher er kam. Ich bemerkte, dass das Licht von einem Fenster zum nächsten sprang, und ich sagte meinem Vater schon in jungen Jahren, dass ich „den Zauberer sehen“ wollte. Mein Vater arrangierte, dass ich zur Vorführkabine hinaufging, und ich ging eine Treppe hinauf, die sich anfühlte, als wären es tausend Stufen, aber wahrscheinlich nur zehn. Ich öffnete die Tür und es war diese Höhle, buchstäblich – überhitzt und eklig – und da war ein Filmvorführer. Er erklärte mir, wenn Sie den Punkt in der oberen rechten Ecke des Rahmens sehen, bedeutet dies, dass er den Projektor wechseln muss. Ich hatte das Gefühl, dass mir die Schlüssel zum Königreich gegeben worden waren, und von diesem Moment an suchte ich immer nach diesem Punkt.

Ich war ein Kind, das für sich blieb. Ich habe keinen Sport gemacht und war kein sehr guter Schüler. Filme waren mein Hauptinteresse, also fing ich an, Poster zu kaufen. Meine erste war „ Vom Winde verweht “ und dann bekam ich „ Das gewaltige Inferno .“ Es dauerte nicht lange, bis sich mein Schlafzimmer in ein Kino verwandelte. Meine Mutter gab mir ein weißes Laken, das ich hinter den Vorhang in meinem Schlafzimmer legen konnte. Ich hatte einen Stummfilmprojektor, mit dem ich einen Super-8-Druck von „King Kong“ für meine Eltern und Schwestern vorführen konnte, und ich begleitete ihn mit Musik. Mein Vater war überhaupt nicht im Filmgeschäft, aber durch eine Verbindung kannte er einen Typen, der in dem Studio arbeitete, in dem der James-Bond-Film „ Moonraker ' wurde gemacht. Ich musste eine Woche lang ans Set gehen und mit dem Tonmeister arbeiten, der mich hasste, weil ich während der Takes ständig herumlief. [lacht] Ich war noch ein Kind, und ich durfte sehen Chilenische Gesetze , mit dem ich noch spreche, sowie Roger Moore und Richard Kiel. Meine Großmutter arbeitete eigentlich im Filmstudio in der Laborabteilung und machte Farbtiming, also habe ich mit etwa 16 ein ganzes Praktikum in der Farbtimingabteilung gemacht und Tageszeitungen von „ Tess “ und andere Filme. Ich sammelte langsam Erfahrungen und kannte meine Berufung.

Ich war schnell vom amerikanischen Kino besessen. Ich liebte Katastrophenfilme und Spektakel wie „The Golden Voyage of Sinbad“, und ich mochte auch Liebesromane wie „The Other Side of Midnight“. Ich liebte alles, was die Künstlichkeit des Kinos feierte. Französische und europäische Filme waren zu realistisch, und es machte mich immer verrückt, wenn Filmemacher sagten: „Das sollte sich wie das echte Leben anfühlen.“ Ich würde denken: „Nun, was ist dann der Sinn? Schau dir einfach die Nachrichten an.“ [lacht] Hitchcock hat sich diesen Kunstgriff in jedem Film zu Eigen gemacht. Ich kann mir nicht vorstellen, wie es sich angefühlt hätte, die Duschsequenz in „Psycho“ während der Erstveröffentlichung des Films zu entdecken, obwohl ich „ Außerirdischer “, als es zum ersten Mal in Frankreich eröffnet wurde. Ich wusste nur, dass es ein Science-Fiction-Film war, weil ich das Poster gesehen hatte. Ich hatte keine Ahnung, dass jemandem ein Alien aus dem Bauch springen würde. Diesen Film als Kind ohne Erwartungen zu sehen, war super schockierend, und es ist so traurig, dass diese Art von Erfahrung heute völlig verschwunden ist. Alles muss überverkauft sein.

Ich war 1975 zu jung, um „Der weiße Hai“ zu sehen, weil es für alle unter 13 Jahren gesperrt war, also habe ich mir die Neuveröffentlichung angesehen. Da in Frankreich im Sommer keine neuen Filme anliefen, zeigten sie alte Filme, und so bekam ich „Vom Winde verweht“, „Die Zehn Gebote“ zu sehen. Ben Hur ' und Sean Connery ’s James-Bond-Filme auf der großen Leinwand. „Jaws“ war so beliebt, dass es jeden Sommer neu aufgelegt wurde. „Psycho“ wurde in der Woche, in der ich 18 wurde, erneut veröffentlicht, und da er mit X bewertet wurde – außer für alle unter 18 – war es mein Geburtstagsgeschenk, den Film zu sehen. Ich habe die erste Show an einem Wochentag in einem Theater auf den Champs Elysées gesehen, und ich war die einzige im Theater. Ich hatte totale Angst vor dem König. [lacht] Wenn einem ein Film ein kreatives Erwachen gibt, möchte man ihn irgendwie besitzen und alles darüber erfahren, was es zu wissen gibt. Deshalb habe ich angefangen, Lobbykarten zu sammeln. Ich würde mir viele von ihnen ansehen und sagen: „Moment mal, diese Szene ist nicht im Film!“ Sie veröffentlichten einen Satz von 24 Karten für Scorseses „ New York, New York “ – ein Film, den ich liebte, obwohl ich kein großer Fan von Musicals bin – und die Hälfte der Standbilder waren Szenen, die nicht im Film vorkamen. Also fing ich an zu recherchieren, was in den Tagen vor dem Internet schwierig war, und fand heraus, dass der Film gekürzt und neu geschnitten worden war. Da wurde mir klar: „Meine Güte, wenn du Filme schneidest, bist du es eigentlich fallen Szenen.“ All dies erscheint jetzt offensichtlich, aber ich habe es alles selbst entdeckt.

Diese Bildersammlung hat mir geholfen, die Kunstform zu schätzen und besser zu verstehen. Ich sammle nicht nur um zu sammeln. Ich sammle, um meine Fantasie anzuregen, und ich kaufe immer noch Poster von demselben Ort wie als Kind. Es gab einen Laden namens Limelight, in den ich früher jeden Samstag um 11 Uhr gegangen bin. Ich habe immer etwas gekauft, aber als Teenager hatte ich kein Geld, also habe ich oft Sachen getauscht. Der Besitzer einer Tankstelle hat mich einmal dabei erwischt, wie ich ein Plakat für „ Der Mann, der König sein würde .“ [lacht] Wie auch immer, ich erinnere mich, dass ich mich bei einem Besuch bei Limelight auf die Veröffentlichung von Truffauts „ Die letzte U-Bahn .“ Ich war ein großer Truffaut-Fan, nicht weil er ein französischer Regisseur war, sondern weil er mit Steven Spielberg gearbeitet hatte und ich ein Buch über Hitchcock geschrieben hatte. Plötzlich kommt Truffaut in den Laden und ich bin fast ohnmächtig geworden. Als ich zu ihm ging und mit ihm sprach, sagte er mir, dass er große Angst vor der Veröffentlichung von „The Last Metro“ habe, weil alle seine Filme Flops gewesen seien und seine Karriere im Eimer sei. Ich hatte nicht erwartet, dass er sich mir auf diese Weise öffnete, und es ließ mich traumatisiert zurück. Schließlich kam ich mit dem Traum nach Amerika, Steven und Brian De Palma zu treffen und diese Art von Dokumentarfilmen zu machen, die es damals noch nicht gab. Als ich mein erstes Projekt für Universal machte – die Dokumentation über die Laserdisc für „1941“, die nach „The Making of ‚Jaws‘“ herauskam – war mein Vertrag mit dem Studio, einen Spielfilm zu machen. Sie hatten keine Vorlage für die Art von Arbeit, die ich machte.

Jahrzehnte bevor Videoessays en vogue waren, beleuchteten Ihre Dokumentarfilme die Parallelen zwischen schriftlicher und visueller Filmanalyse. Ich hatte immer das Gefühl, dass das Schreiben und Bearbeiten ähnliche Prozesse sind, da Sie Rohmaterial oder Informationen zusammenstellen müssen, und die Bearbeitung Ihrer Filme ist immer tadellos.

Ich habe von Anfang an mit so ziemlich demselben Redaktionsteam gearbeitet. Ich fing an mit David Palmer , der kürzlich einen sehr guten Film namens „Wildling“ mitproduziert hat, und er ist ein absoluter Savant. Wir haben uns durch die Arbeit kennengelernt und festgestellt, dass wir genau gleich alt sind und den gleichen Geschmack haben, wie zum Beispiel die Liebe zur Filmmusik. Er hat mehrere meiner ersten Projekte gemacht, darunter „1941“, „Jaws“, „The Birds“ und „ Taxifahrer .“ Als ich mehr Projekte bekam, stellte ich großartige Redakteure wie Jason Summers, Andy Cohen und Jeff Pickett ein und arbeitete mit ihnen zusammen. Ich habe sie jeweils nach Bauchgefühl ausgewählt. Es war sehr ermutigend zu wissen, dass ich ein gutes Gespür dafür hatte, ob jemand die richtige Person für ein Projekt ist. Auch wenn ich nicht derjenige bin, der redigiert, weiß ich innerhalb von Minuten, ob ein Redakteur gute oder schlechte oder durchschnittliche Instinkte hat. Der Höhepunkt von all dem war „Five Came Back“, die Serie, die ich für Netflix gemacht habe, und mein genialer Redakteur, Will Znidaric , gewann dafür einen American Cinema Editors Award. Das war ein echtes Puzzle zum Zusammensetzen.

Schreiben und Filmen sind völlig unterschiedliche Prozesse. Ich betrachte mich nicht als Kritiker, denn mein Standpunkt kommt daher, dass ich die Form verstehen und präsentieren möchte, was darin steckt, damit sie gewürdigt werden kann. Ich bin nicht jemand, der meine Meinung darüber einbringt, ob der Film gut oder schlecht ist, das ist nicht mein Wohnort. Aber egal, ob Sie Dokumentar- oder Spielfilme drehen oder einen Essay schreiben, es läuft alles auf das Geschichtenerzählen hinaus. Wenn ich mit meinem Kameramann anfange, muss jede einzelne Einstellung, die wir drehen, der Geschichte dienen. Man filmt nicht einfach wahllos etwas – es muss irgendwo anfangen, irgendwo hingehen und irgendwo enden. Wenn Sie mit Menschen über ihren Film sprechen, müssen Sie sie auf eine Reise mitnehmen, so wie Sie einen Artikel oder ein Buch schreiben. Jeder meiner Dokumentarfilme muss dieses Gefühl der Reise haben, und ich bin sozusagen von der alten Schule, da ich alles schreibe, bevor der Film geschnitten wird. Es ist als Drehbuch geschrieben, und ich habe Titel für alle Abschnitte. Man muss sich nicht unbedingt daran halten, aber man muss mit einer Vision reingehen. Sie müssen mit einem Gefühl dafür eintreten, was die Reise sein wird, egal ob das Stück zwei Stunden oder drei Minuten lang ist.

Als die Nachfrage nach kürzeren Inhalten hinter den Kulissen bestand, teilten Sie Ihre Dokumentationen in Spielfilmlänge in Featurettes auf, die, wenn sie zusammen betrachtet werden, immer noch wie ein Spielfilm abgespielt werden.

Genau das mache ich. Ich werde sie so strukturieren, dass man das Gefühl hat, von einem Stück zum nächsten zu reisen, wenn man sie hintereinander anschaut. Die Featurettes für einen bestimmten Film werden oft vom selben Cutter gemacht, abhängig von der Länge oder dem Abgabetermin. Es ist so traurig, wenn IMDb jedes meiner Featurettes als kurzes Thema bezeichnet, da sie Teil meiner Beiträge in voller Länge zu Filmen wie „A.I.“ sind. oder ' Rot .“ Sie werden nur aus rechtlichen Gründen, die mit Gewerkschaften und SAG und anderen Faktoren zu tun haben, in kürzere Teile aufgeteilt. Als ich meinen neuesten Dokumentarfilm für „Ready Player One“ drehte, war das Studio wirklich fantastisch. Jonathan Gaines und Paul Hemstreet, meine Manager bei Warners, wollten, dass ich eine altmodische Making-of-Doku mache, und das meine ich im besten Sinne des Wortes. Sie unterstützten mich so sehr in meiner Absicht, die Form meines Dokumentarfilms widerspiegeln zu lassen, was der Film war: eine große Hommage an das Filmemachen der 80er Jahre. Es war die Liebeserklärung eines Fans an Filme, und hoffentlich spiegelt mein Material hinter den Kulissen das wider.

In der Geschichte Hollywoods dreht sich alles um die Beziehung zwischen den Studios und den Filmemachern, und ich bin erstaunt, wie offen die Studios meinen Projekten gegenüber waren. Columbia gab mir die Chance, lange Dokumentarfilme über „ Die große Kälte “, „ Silverado “ und „Taxifahrer“. Ich konnte nicht glauben, dass niemand einen ausführlichen Dokumentarfilm über „Taxi Driver“ gemacht hatte, bis ich 1998 meinen gemacht hatte. Manchmal will die Presse uns nicht als echte Filmemacher anerkennen, und ich denke: „Nun Was würden Sie dafür geben, ein solches Dokument bei sich zu haben Orson Welles bei den Dreharbeiten zu „Citizen Kane“ oder Hitchcock bei den Dreharbeiten zu „Psycho“ oder sogar Steven bei den Dreharbeiten zu „Jaws“?“ Vor Heimvideos wurden Filme nicht als etwas wahrgenommen, das über seine Erstveröffentlichung hinaus Bestand haben würde, außer im Fernsehen. Daher ist es äußerst wichtig, die Möglichkeit zu haben, diese Arbeit zu dokumentieren, auch im Nachhinein. Mich wundert es, wenn die Leute, die Making-of-Dokumentationen machen, ins Handwerk geschmissen werden. Ich begrüße die anderen Leute, die mit mir Filme dokumentieren, und ich bin stolz darauf, dass ich der Ursprung dieser Art von Arbeit war. Hoffentlich war ich in der Lage, einen Unterschied zu machen, nicht wegen meiner Person, sondern wegen der fantastischen Filme und Filmemacher, mit denen ich in Verbindung gebracht wurde. Ich bin Steven und Brian und den Menschen, die mir vertraut haben, diesen besonderen Stücken gerecht zu werden, sehr dankbar.

Ein anderer Filmemacher hätte leicht ein oberflächliches Making-of-Dokument zusammenstellen können, aber Ihre Filme über Leute wie Spielberg sind so tiefgründig, dass sie uns sowohl ein Gefühl für den Mann als auch für den Filmemacher vermitteln, sei es seine kindliche Liebe zu eklige Gags am Set von „ Indiana Jones und der Tempel des Todes “ oder seine Gabe, mit Kindern zu kommunizieren, wie Cary Guffey in „ Unheimliche Begegnung der dritten Art .“ Indem Sie Ihre Interviews den Filmausschnitten gegenüberstellen, zeigen Sie, wie Spielberg jedem einzelnen Gesichtsausdruck des Jungen entlockt hat.

Als ich meine ersten Dokumentarfilme drehte, entschied ich mich ursprünglich, nicht zu viel von den Interviewaufnahmen wegzuschneiden. Ich konnte nicht glauben, dass ich Steven Spielberg oder Dick Zanuck gegenüber saß oder Peter Bankley oder sogar Susan Backlinie, die Chrissie in „Der weiße Hai“ spielte. Ich wollte diese Interviews nicht unterbrechen, weil es von dem wegnehmen würde Aufführungen sie gaben mir. Ich behandelte sie fast wie Schauspieler. Ich konnte in ihren Augen die Aufregung sehen, die sie empfanden, als sie sich an etwas erinnerten, worüber sie 25 oder 30 Jahre lang nicht gesprochen hatten, und als das passierte, wollte ich bei ihnen bleiben. Ich möchte, dass jeder, der sich das Filmmaterial ansieht, dasselbe Gefühl hat wie ich, als ich diesen Leuten gegenübersaß. Deshalb entferne ich mich, wenn ich eine Frage stelle. Als ich „The Making of ‚Jaws‘“ drehte, kam Steven herein und sagte: „Ich habe eine Stunde Zeit und dann muss ich zu einem Meeting rennen.“ Er war offensichtlich super beschäftigt, wie er es immer noch ist, aber danach sagte er: „Geh nicht weg, ich bin in genau zwei Stunden zurück.“ Und er kam zurück und gab mir noch mehr. Ich konnte sagen, dass etwas Besonderes geschah.

Vor jedem Interview hatte ich tonnenweise recherchiert. Ich würde alle Universal-Archive durchgehen und mir alle Memos ansehen. Ich habe eine Bibel erstellt, die ich Steven von all den Filmen gegeben habe, die ich zu Beginn meiner Karriere dokumentiert habe, wie „Der weiße Hai“, „1941“ und „E.T.“ Ich würde die Kontinuität des Films Szene für Szene verfolgen, beginnend mit den Eröffnungstiteln von „Jaws“, und ich würde alles aufschreiben, was ich über jeden Moment herausgefunden habe. Ich konnte jederzeit zu einer Szene im Film springen und alles finden, was ich darüber gelernt hatte. Auch dies war vor Google oder jeder Art von Online-Recherche. Ich habe mir Einheitsfotografie angesehen, bin in den Keller des Studios im Tal gegangen und habe sogar in Müllcontainern nach Postern gesucht. Ich habe mein Herzblut darauf verwendet, die Geschichte dieser Filme nachzuzeichnen, insbesondere jener, die nicht mit einer Filmkamera dokumentiert wurden – darunter „Taxi Driver“, „Jaws“, „ Narbengesicht “ und alle Hitchcock-Filme. Ich entdeckte, dass De Niro sich für „Taxi Driver“ eigentlich nicht den Kopf rasiert hatte, weil er damals „1900“ mit Bertolucci drehte und er sein volles Haar haben musste. Also erklärte mir Dick Smith, der das Make-up gemacht hat, seine geniale Methode, um ein paar Stoppeln auf De Niros Glatzkopf zu schaffen, die den Effekt nahtlos machten. Ich hätte nicht gewusst, danach zu fragen, wenn ich keine Fotosession in den Columbia-Archiven gefunden hätte.

Ich gehe nie unvorbereitet in diese Interviewsituationen. Es ist wie ' Rashomon “, gewissermaßen. Jeder hat eine andere Sichtweise und eine andere Art, genau dasselbe Ereignis zu erleben. Sie kommen alle aus ihrer eigenen Perspektive und ihrer persönlichen Rolle im Film. Sie wissen oft nicht einmal, wo sie anfangen sollen, also muss ich ihre Erinnerung für sie sein. Bei Steven drehte sich alles um die Details. Mir ist aufgefallen, dass der Soundeffekt in „Jaws“, in dem der Hai nach seiner Explosion auf den Grund des Ozeans fällt, ein vertrautes Geräusch hat. Es war genau das gleiche Geräusch, das Steven in „Duell“ verwendet hatte, als der Truck über die Klippe fährt. Als ich ihm das sagte, sagte er: „Oh mein Gott, das ist es! Es ist der Sound aus einem Dinosaurierfilm, den ich bei Universal geliebt habe, und ich habe ihn in beide Filme eingebaut.“ Diese Art von Beobachtung kam einfach daher, dass ich mir diese Filme immer wieder ansah, um mich in sie einzutauchen. Auf Stevens Sets kennt mich jeder, also wissen sie, dass sie zu mir kommen und sagen können: „Morgen haben wir eine Probe.“ Es ist so großartig zu sehen, dass jeder helfen möchte, die Geschichte zu erzählen, wie sein Film gemacht wurde, besonders wenn er von jemandem wie Steven inszeniert wird, dessen Prozess so einzigartig und kreativ ist.

Apropos kleine Details, eines haben Sie in Ihrem Dokumentarfilm „All About 'Die Vögel' “, das hat mich umgehauen. Rod Taylor mimt das Öffnen einer Tür, und durch clevere Beleuchtung stellen wir die Illusion nie in Frage. Techniken wie diese haben Hitchcock zu meinem absoluten Lieblingsfilmer gemacht.

Ich bin so froh, dass Sie Hitchcock erwähnen, denn ich werde nie müde, seine Filme anzuschauen. Ich schaue sie mir fast immer wieder an. Ich durchlebe Phasen, in denen ich mir einen bestimmten Abschnitt seiner Karriere anschaue, wie seine frühen amerikanischen Filme wie „Rebecca“, „Suspicion“, „The Paradine Case“ und „ Gebannt .“ Dann schaue ich mir sein späteres Werk an – sogar einen Film wie „Torn Curtain“, der keineswegs ein großartiger Film ist, aber Momente voller Brillanz und Schönheit hat, in denen man das Genie sieht. Jedes Mal, wenn ich mir einen Film ansehe, mache ich mir Notizen über Dinge wie Rahmen, Komposition und Soundeffekte. Hitchcocks Arbeit repräsentiert die reinste Form des Filmemachens, denn als er mit der Regie begann, waren die Filme kaum geboren, also war alles, was er schuf, experimentell. Während seiner gesamten Karriere zeigt er immer wieder, was für ein experimenteller Regisseur er ist, auch in kommerziellen Erfolgen wie „Psycho“ oder „North by Northwest“. In „Die Vögel“ und dann in „Marnie“, einem völlig missverstandenen Meisterwerk, ging er sogar noch weiter. Man könnte eine ganze anthropologische Studie über seine Arbeit machen, weil sie so viele Schichten hat.

Ich habe das Gefühl, dass Ihr unverzichtbares Buch von 1993, Das Zitatbuch von Alfred Hitchcock , ähnelt in gewisser Weise den Notizen, die Sie bei Vorführungen machen würden – das Vergrößern von Details in verschiedenen Bildern und das Herstellen von Verbindungen zwischen ihnen.

Es hat mir so viel Spaß gemacht, dieses Buch zu schreiben. Ich habe es zu einer Zeit veröffentlicht, als bestimmte Filme noch nicht einmal auf Video existierten. Es war so schwer, sie aufzuspüren, um das Buch zusammenzustellen. Für mich war es eine Übung, um zu veranschaulichen, was ein Autorenfilmer Hitchcock ist, weil alles miteinander verbunden ist. Manchmal wiederholten Charaktere in verschiedenen Filmen dieselben Zeilen. Jeder brillante Künstler hat charakteristische Themen – das gilt sicherlich für Steven und De Palma – und da Hitchcock der Ursprung des Kinos war, waren seine Themen schon vor seinem ersten Tonbild „Blackmail“ präsent und hallen bis hinunter zu „ Raserei ' und sogar ' Familiengrundstück .“ In den Zitaten, die ich zusammengestellt habe, können Sie sehen, wie besorgt Hitchcock über Essen war und wie es zu Sex und Mord führt. Sehr wenige Leute haben das Buch gelesen, aber ich bin froh, dass es jemand getan hat. [lacht]

Einer Ihrer ersten großen Auftritte in der Filmindustrie war die Aufnahme eines Audiokommentar-Tracks für Criterions Laserdisc von „Carrie“. Ich war so bewegt von dem Dokumentarfilm, den Sie später über den Film gemacht haben, und wie er die Menschlichkeit inmitten des Horrors betonte, wie in Carries zärtlichen Szenen mit ihrer Lehrerin Miss Collins ( Betty Buckley ). Welche besondere Bedeutung hat dieser Film für Sie?

ich liebe Stephen King nicht nur als Autor, sondern auch als Mensch, und ich entwickle gerade einen Spielfilm, der auf einer seiner Geschichten basiert. Stephen als Schriftsteller ist das Äquivalent zu Alfred Hitchcock als Filmemacher. Er ist einer der großartigsten Menschen, die ich je getroffen habe, und seine Loyalität, Freundlichkeit und Menschlichkeit inspirieren mich immer wieder. Das gilt auch für Steven Spielberg. Carrie war Stephens erster großer Erfolg als Schriftsteller, und wenn man es sich ansieht, versteht man alles über seinen Autor – alles, was noch kommen wird, und alles, wofür er steht. Seine Arbeit ist geprägt von schönen Emotionen und Situationen, mit denen wir uns alle identifizieren können. Es war meisterhaft, wie De Palma seine Verfilmung orchestriert hat – abweichend vom Buch mit seiner kulminierenden Traumsequenz. Obwohl er bereits „Sisters“ und „Phantom of the Paradise“ gedreht hatte, war „Carrie“ sein erster großer Erfolg, der ihn als Filmemacher am meisten definierte. Sie sehen viele Echos davon in „ Gekleidet zum Töten .“ Beide Filme beginnen mit einer Duschsequenz, und obwohl sie in „Dressed to Kill“ in einem größeren Maßstab und viel erotischer war, sind beide Szenen schockierend. Eine weitere Parallele zwischen den Filmen ist, dass sie beide mit einer Alptraumsequenz enden.

Ich erinnere mich, am Ende von „Carrie“ bemerkt zu haben, wann Amy Irving während des Albtraums auf das Haus zugeht, sieht man für einige Sekunden in der Ferne Autos rückwärts die Straße hinunterfahren. Das sagt Ihnen, dass sie die Szene mit Amy gedreht haben, die rückwärts geht, und der Film wurde dann umgekehrt. Ich liebte die Arbeit, die Jack Fisk , der Produktionsdesigner, hat in diesem Film gearbeitet. Alles in Carries Haus spiegelt den religiösen Fanatismus ihrer Mutter wider, einschließlich der verstümmelten Statue im Schrank, wo das Mädchen bei der Bestrafung eingesperrt wird. Die Idee, dass Carrie später ihre Mutter tötete, indem sie die Statue nachbildete – ihren Körper und die Messer auf ähnliche Weise positionierte – war so brillant. Ich liebe auch die Verwendung von geteilten Bildschirmen in De Palmas Arbeit, da sie für gespaltene Persönlichkeiten stehen. In 'Dressed to Kill' Angie Dickinson ist eine verheiratete Mutter, aber sie ist auch eine frustrierte, sexuell unterdrückte Person. Carrie ist ein hässliches Entlein, das in der Schule und zu Hause gemobbt wurde, aber gleichzeitig ein furchterregendes Wesen mit verborgenen übernatürlichen Kräften ist. In beiden Fällen vermittelt De Palma diese Dualität über einen geteilten Bildschirm. Der Stil, den er wählt, um diese Geschichten zu erzählen, wird nicht einfach durch das Bedürfnis angetrieben, anzugeben. Es spiegelt das übergreifende Thema seiner Arbeit wider und drückt aus, wie dieselbe Person oder dasselbe Ereignis je nach Ihrem Standpunkt unterschiedlich erscheinen wird. „Scarface“ war in Bezug auf den visuellen Stil ein Aufbruch für De Palma, und ich erinnere mich, dass ich zuerst davon enttäuscht war. Es war einfacher, aber beim zweiten Ansehen konnte ich seine unglaubliche Kunstfertigkeit schätzen.

Was mich an „Ready Player One“ am meisten beeindruckt hat, war, wie es als Spielbergs Ode an geschätzte Kollegen wie diente Robert Zemeckis . Die Anklänge des Films an „ Zurück in die Zukunft “ und „Roger Rabbit“ werden dadurch nur intensiviert Alan Silvestri Punktzahl.

Diese Filmreferenzen waren bereits im Buch enthalten, also zeigt Stevens Entscheidung, diesen Film anzunehmen, dass er ein echtes Interesse daran hatte, dieser Ära des Filmemachens Tribut zu zollen. Er blühte in den 80ern auf und schuf in diesem Jahrzehnt Amblin. Er bezeichnet Bob Zemeckis in meiner Dokumentation als seinen ersten Schützling. Der DeLorean in „Zurück in die Zukunft“ war ein wesentlicher Bestandteil des Originalbuchs, und Steven entschied sich bewusst dafür, im Film nicht zu selbstbezogen zu sein. Er wollte sich nicht selbst ehren, sondern ehrte stattdessen die Filmemacher seiner Generation, wie Bob und andere. Es gab so viele verschiedene Ereignisse rund um die Veröffentlichung des Films, und ich sprach mit Steven über die Kampagne, die sie erstellt haben, wo sie Charaktere aus „Ready Player One“ in Filmplakate aus den 80er Jahren eingefügt haben. Der Autor des Buches, Ernie Cline, war auch Co-Autor des Drehbuchs Zak Penn , und er wurde ein wirklich enger Freund. Wir haben in den letzten zwei Jahren so viel zusammen gemacht, und als das Projekt vor ein paar Monaten abgeschlossen wurde, war es irgendwie herzzerreißend. Jeder wechselt zu anderen Projekten, und obwohl wir Freunde bleiben, ist es nicht dasselbe, als wenn Sie die Veröffentlichung eines Films erwarten. Ich lebe seit langem mit diesen Filmen, besonders mit denen mit großen Spezialeffekten, weil sie einen umfangreichen Postproduktionsprozess erfordern.

„ Die Post ” war sehr schnell, aber so intensiv, und es wurde zu einer meiner Lieblingserfahrungen bei einem Projekt. Jeder Tag war ein anderes Set und ich bin während der Produktion für einen Monat nach New York gezogen. Es war, als wäre man Teil einer Bewegung, weil der Film wichtige Themen aufgriff, die auch heute noch aktuell sind. Es gab dieses Gefühl der Dringlichkeit, diese Geschichte zu erzählen, und der dokumentarische Teil war super wichtig, weil ich mit den Familien von Ben Bradlee und Katharine Graham sprechen durfte. Ich fühle mich so privilegiert, wenn ich mir all die Leute ansehe, die ich interviewt habe, nicht nur die Regisseure und Stars, sondern auch die Crew – Kameraleute mögen es Janusz Kaminski , Produktionsdesigner mögen Rick Carter und Komponisten wie John Williams und Alan Silvestri – sowie die realen Themen und ihre Familien. Jedes Vorstellungsgespräch ist eine Herausforderung, weil ich mich vorher weiterbilden muss. Es ist, als würde man wieder zur Schule gehen und einen Kurs in Journalismus oder Virtual Reality belegen. Es ist ein unglaublicher Job, und ich bin sehr gesegnet, ihn zu haben.

Die neusten Dokumentarfilme von Laurent Bouzereau sind auf den Blu-rays von „ Bereit Spieler Eins ' und ' Die Post .“

Weitere Informationen zu Laurent finden Sie unter seine offizielle Seite .