Bei all dem Selbstbewusstsein, dass ich nicht stundenlang Ziegel schleppe oder meinen Rücken auf etwas anderem als bequemen, gepolsterten Sitzen und schlecht gestalteten ausziehbaren Sofas aus skandinavischen Megastores breche, auf denen ich ein bisschen Ruhe bekomme, lass mich eine nehmen Moment sowieso zu sagen, ja, dieser Scheiß ist nicht immer einfach.

Beginnen wir mit der kognitiven Beeinträchtigung durch die heimtückischen Auswirkungen des Jetlags, gepaart mit der praktischen Notwendigkeit, jeden Morgen um 7 Uhr aufzustehen, um Tickets für vier Tage zu besorgen. Dann schaut man sich einen Film nach dem anderen an, nimmt jeden als eigene Insel der Erfahrung auf und hat doch das Gefühl, als sei jeder Tag voller unruhiger Wachträume. Sie werden ein bisschen wahnsinnig mit all den Bildern, betrunken von unterschiedlichen Geschichten, die sich in Ihrer Seele zu verweben scheinen.

Zitat von Norman Bates „Wir alle werden manchmal ein bisschen verrückt.“

Im Grunde ist dies das Milieu der festlichen Blase, eines, das durch den schnell gegriffenen Snack oder, da dies Südostfrankreich ist, der gelegentliche Genuss mit Trüffeln angeheizt wird. Mit dem vom letztjährigen COVID-a-thon übernommenen elektronischen Ticketing-System ist der Zugriff reibungsloser, aber ein Teil der Community geht verloren, wo Sie basierend auf Ihrem Badge-Level jeden Tag die gleichen traurigen Sack-Individuen sehen würden, die in der heißen Sonne backen , ein verschlafenes Gefolge, das als erzwungene Form des menschlichen Kontakts zwischen den Besuchen in virtuellen Welten dienen würde. Die Angst vor dem Eintritt wurde durch verschiedene Ebenen der Angst ersetzt, und es gibt immer Möglichkeiten, das Gefühl zu haben, dass alles entgleitet oder dass die große Entdeckung des Festivals versehentlich übersprungen wurde, mit jeder getroffenen Entscheidung oder jedem gezogenen Ticket .

Doch hier sind wir in Cannes. Das Wetter ist dieses Jahr besonders herrlich, dennoch kriechen wir in abgedunkelte Räume, immer noch dankbar für das Privileg, an diesem glorreichen Fest des Kinos teilnehmen zu dürfen. Die größte Salbe, jenseits der Ästhetik, ist das Gefühl (wahnhaft wie es ist), dass wir zu einer Form der Normalität zurückgekehrt sind. Wir haben in den letzten Jahren gelernt, was verloren gehen könnte, nicht nur in Bezug auf die körperlich Betroffenen, sondern auch auf die sozialen Umwälzungen der Trennung, dass das zufällige persönliche Treffen einen viszeralen Nervenkitzel hat, der durch die kürzliche Abstinenz verstärkt wird.

Ich habe Mathieu Vadepieds erwischt „ Scharmützler“, dessen englischer Titel „Vater und Soldat“ spielt auf die Hauptfiguren an. Verankert durch eine weitere gute Leistung von Omar Sy , taucht dieses Drama aus dem Ersten Weltkrieg in die Erfahrungen von Menschen afrikanischer Abstammung ein, die von den französischen Kolonialtruppen, die ihr Land kontrollierten, überredet, wenn nicht sogar entführt, aus den afrikanischen Ebenen, die sie Heimat nannten, in die feurige Hölle des Grabenkriegs entführt wurden.

Der Film hat einen interessanten Aufhänger, mit dem Familiendrama, das in die Kriegskatastrophe eingefügt ist, und ich begrüße seine Absicht, ein ganz anderes Gesicht der französischen Kriegsgeschichte zu beleuchten. Es ist sicherlich eine unterschätzte Geschichte, und obwohl das Endergebnis eine milde, mittelmäßige Angelegenheit sein mag, gibt es genug Engagement für Leistung und provokative Umgebung, um es wert zu sein, es sich anzusehen.

Ich war weniger ein Fan von 'Fall,' Lotfi Nathan Das Debüt-Feature von wird auch in der Un Certain Regard-Seitenleiste abgespielt. Adam Besa spielt Ali, der nach dem Tod seines Vaters nach Hause zurückkehren muss, um sich um seine beiden Schwestern zu kümmern, was zu einer ausgesprochen vorhersehbaren, wenn auch verzweifelten Geschichte führt, in der er über die Runden kommt und seine eigenen Träume verlagert, um anderen zu helfen. Während die tunesische Kulisse fesselnd ist, ist es schwer, sich in die ziellose Suche von Ali zu vertiefen, da sich Momente der Stille weniger nachdenklich anfühlen, als wenn Nathan einfach die Laufzeit des Films zwischen den Szenen auffüllt.

Ich bin anscheinend auch einer der wenigen, die gefunden haben James Grey 's „Harmagedon-Zeit“ ein bisschen chaotisch. Es spielt als Entschuldigung für eine privilegierte Kindheit und versucht, Dinge wie „ Rom “, sondern sich stattdessen gezwungen und frustrierend fühlen. Anthony Hopkins liefert mit angemessenem Wohlwollen und Gravitas, aber beides Jeremy Stark und anne Hathaway , gute Darsteller im Allgemeinen, scheinen hier völlig außerhalb ihres Elements zu sein. Insbesondere Hathaway scheint verloren zu sein, ihr Akzent fließt irgendwie in die Amateurproduktion von „ Geiger auf dem Dach “Territorium, während Strongs Einstellung als Vaterfigur mit wilden Stimmungsschwankungen nie zu etwas Kohärentem wird.

Paulus ( Michael Banks wiederholen ) ist der Avatar für die eigene Kindheit des Regisseurs. Zusammen mit seinem symbolischen schwarzen Freund Johnny (Jaylin Webb) geraten die beiden im Unterricht in Schwierigkeiten und trennen sich dann, als sich ihre sozialen Umstände ändern. Ich fühlte mich erschrocken, wie alles ordentlich zusammengebunden war; Insbesondere Johnnys Reise ist zweidimensional und entmutigend.

„Armageddon Time“ versucht, mit seinen Verbindungen zu zukünftigen Präsidenten und der steigenden Konservatismuswelle des Jahrzehnts ein größeres politisches Argument zu machen, aber es fühlt sich alles eher wie eine Entschuldigung an als eine tatsächliche Befragung der Widersprüche als Spiel. Das heißt, ein besonderer Gruß an Andreas Polk spielt den frustrierten, frustrierenden Lehrer Mr. Turkeltaub. Als Veteran von „The Marvelous Mrs. Maisel“ war er der einzige Charakter, vielleicht zusammen mit Hopkins, an dessen Menschlichkeit und Präsenz ich wirklich glaubte.

Einer der wichtigsten Filme, die mein Leben verändert haben, wurde 1996 auf diesem Festival veröffentlicht. Er kam aus einem Land, aus dem ich noch nie zuvor einen Film gesehen hatte, von einem Regisseur, von dem ich noch nie gehört hatte, von einem Schauspieler, den niemand auf der Leinwand gesehen hatte, und ich wusste nichts darüber. Durchgehend, wo Kapitelunterbrechungen mit Nadeltropfen von dergleichen erzielt wurden David Bowie im Palais gesprengt, es gab Standing Ovations Mitte des Films . Ich wusste nicht, dass man das im Theater machen kann, ich wusste nicht, dass ein Film mich so stark beeinflussen kann, und es bleibt einer meiner größten Momente im Kino. Der Film war natürlich „ Die Wellen brechen “ des dänischen Regisseurs Lars von Trier und stellte der Welt das leuchtende Talent vor Emily Watson .

Jahrzehnte später war es eine persönliche Freude, sie beim Quinzaine-Debüt von zu sehen Saela Davis und Anna Rosa Holmers verheerende „ Gottes Geschöpfe .“ Wie bei Von Triers Film ist dies eine Geschichte von Angriffen und den Auswirkungen von Kleingeistigkeit in einer anderen, windgepeitschten Umgebung, und sie beruht wiederum stark auf der Fähigkeit, das Publikum mit der immens einfühlsamen und kraftvollen Leistung seines Hauptdarstellers anzuziehen.

Watson spielt Aileen, die Managerin einer örtlichen Fischverarbeitungsfabrik. Sie hat ein neues Enkelkind und scheint zunächst ihre Umstände bequem zu bewältigen. Als einer der Austernzüchter von der Flut mitgerissen wird, gibt es während der Totenwache eine Überraschung mit ihrem abwesenden Sohn ( Paul Meskal ) Rückkehr aus Australien. Seine Abwesenheit wird nie erklärt, noch der Grund für seine Rückkehr, aber es bereitet die Bühne für das zentrale Drama des Films.

Paul versucht, einige Austernbänke wiederzubeleben, und wir sehen, wie er zusammen mit Aileens Hilfe Abstriche macht, damit die Dinge funktionieren. Regeln scheinen für Paul nicht zu gelten, und die Ergebnisse der Abstriche des verlorenen Sohns führen zu tieferen moralischen Kompromissen für seine Mutter. Wenn eine Verbindung zu Sarah mit klarer Stimme hergestellt wird ( Aisling Franciosi ), treten noch dunklere Momente auf, und die Dilemmas häufen sich wie Austernschalen.

Obwohl es in der Erzählung nur wenige wahre erzählerische Überraschungen gibt, ist es dennoch berauschend zu sehen, wie Watson all die Emotionen ihrer Figur auf ihrem ungemein ausdrucksstarken Gesicht navigiert. Sie ist wirklich eine der bemerkenswertesten Darstellerinnen, die auf der Leinwand zu sehen sind, und wenn „God’s Creatures“ nichts anderes tut, als die Welt an diese Tatsache zu erinnern, kann dies bereits als Triumph angesehen werden.

Eines der versehentlich komödiantischen Elemente bei einem Q&A nach der Vorführung für Mark Jenkins 'Enys Männer' war, als er beiläufig zugab, dass es satte drei Tage gedauert hatte, das Drehbuch des Films zu schreiben. Abgesehen von dem stilvollen, manchmal fesselnden, manchmal ärgerlichen Endergebnis ist es überraschend, dass es so lange gedauert hat, bis etwas mit nicht mehr als einem Dutzend Dialogzeilen oder unterschiedlichen Szenen entstanden ist. Der Titel bezieht sich auf „Stone Island“ in der kornischen Sprache („ Männer “ wird als „Mane“ oder „Main“ ausgesprochen) und lässt sich vielleicht am besten als Teil der Folk-Horror-Tradition von „Wicker Man“ aufwärts beschreiben.

Dies ist eine Art Geistergeschichte, aber keine mit zu vielen Genre-Tropen, an denen man sich festhalten kann. Wenn sie kommen, fühlen sie sich gezwungen und willkürlich und unterbrechen fast die seltsame, traumartige Stimmung mit gelegentlichen mittelmäßigen Sprungängsten und dergleichen. Wenn überhaupt, geht es um den Schrecken der Zeit, niemals voranschreiten zu können, in einer endlosen Wiederholung stecken zu bleiben, in der unsere sehr sesshafte Präsenz dazu führt, dass sie an Ort und Stelle eingesperrt wird und Flechten buchstäblich wachsen, während wir daran gehindert werden, uns fortzubewegen. Als COVID-Lockdown-Metapher mag es duftend sein, und viele werden in Ohnmacht fallen, sowohl wegen ihres nicht-narrativen Stils als auch wegen ihrer archaischen, von Filmkörnung angetriebenen Ästhetik und ihrer ausgeblasenen Farbpalette in einem 4: 3-Frame.

„Enys Men“ ist ein guter 20-Minuten-Film, der seine Begrüssung überschreitet, aber er könnte für andere funktionieren, die verzweifelt nach Filmen suchen, die ihnen das Gefühl geben, an Ort und Zeit so verwurzelt zu sein wie der zentrale Protagonist, unbeeindruckt von solchen plebejischen Launen wie konventioneller Handlung oder Geschichte .

Als Gegenmittel zum Nicht-Erzählen, finden wir Georg Müller Rückkehr nach Cannes mit einer Geschichte über das Geschichtenerzählen an sich. „Dreitausend Jahre Sehnsucht“ ist auch ein von COVID beeinflusster Film, der in seiner Erzählung noch offenkundiger ist. Aber es ist im Grunde auch eine Geschichte darüber, wie Geschichten unsere Erfahrungen verändern, größere Welten liefern und uns helfen, das Universum auf eine Weise zu verstehen, die sowohl befriedigend als auch wirkungsvoll ist.

Tilda Swinton spielt die musikalische Alithea Binnie, eine Erzählerin von Beruf, die die meiste menschliche Gesellschaft für das Leben des Geistes gemieden hat. Beim Einkaufen mit einer Kollegin auf einer Konferenz findet sie eine Flasche, die so kräftig mundgeblasen ist, dass Blut aus der Lunge des Glasmachers in das Objekt selbst eindringt. In dieser Geschichte, in der dieses Wunderlampen-Objekt erwartungsgemäß das Behältnis für einen Dschinn ( Idris Elba | ), der Wunscherfüller, der erst befreit werden kann, wenn drei angefordert wurden.

Basierend auf einer Kurzgeschichte von A.S. Byatt, die Erzählung bietet ein interessantes Gedankenexperiment – ​​was passiert, wenn ein Dschinn auf einen Geschichtenexperten trifft, der alle Machenschaften historischer Wunschgeschichten kennt? Wie kann ein Betrüger jemanden täuschen, der all seine Tricks kennt? Das Ergebnis ist weniger ein Kampf des Verstandes als eine Erforschung von Beziehungen, und bestimmte universelle Elemente entfalten sich in den Geschichten der Dschinn.

Es gibt Momente des visuellen Aufschwungs, die zeigen, dass Miller weiterhin ein Meister des Stils ist. Vor der Pandemie sollte dies ein Weltenbummler-Abenteuer werden, aber die Pest zwang die Produktion, sich stark auf Greenscreen-Reproduktionen von Einstellungen zu verlassen. Das Ergebnis ist bestenfalls gemischt, und es wäre faszinierend gewesen, wenn der Spielraum der Künstlichkeit in etwa so etwas wie „ Die Abenteuer des Baron Münchhausen “, mit dem dieser Film eine flüchtige Ähnlichkeit hat.

Allerdings spielt ein Großteil des Films in einem einzigen Hotelzimmer, in dem Alithea und ihr Wunschmeister in Bademänteln sitzen und sich gegenseitig Geschichten erzählen. Es ist diese Kollision von großartigem Spektakel und intimer Diskussion, die die zentrale Idee des Films antreibt, die Verbindung zwischen den beiden hilft uns, echte Botschaften aus den größeren, bombastischeren Momenten zu entnehmen.

Millers Geschichte ist die Geschichte der Liebe, die durch die Liebe zur Geschichte erzählt wird, ein fehlerhafter Film, der dennoch eine willkommene Erinnerung an die wahren Freuden des kollektiven, gemeinsamen Geschichtenerzählens ist. Es ist eine schöne Erinnerung, wie man sie bei einer Veranstaltung wie Cannes haben sollte.