Was braucht es, um Ihren Film auf ein Weltklasse-Festival zu bringen? Das ist die Frage, die „Die Frau in der Klärgrube“, die auf der kürzlich zu Ende gegangenen Berlinale 2012, einem der weltweit führenden Festivals, gezeigt wurde, mit schadenfroher Respektlosigkeit stellt. Diese urkomische Satire des internationalen Kunstfilmschaffens zeigt zwei aufstrebende Autoren, die in einem Café in Manila sitzen und eifersüchtig die Facebook-Fotos eines Rivalen betrachten, die beim Filmfest in Venedig aufgenommen wurden. Sie schwören, den ultimativen Film zu entwickeln, um Festivalpublikum und Preise zu gewinnen: Eine alleinerziehende Mutter von fünf Kindern, die in den Slums leidet, ist gezwungen, ihren Sohn an einen reichen Pädophilen zu verkaufen. Aber wie Mel Brooks‘“ Die Produzenten “ (1968) gerät das Projekt außer Kontrolle, und bevor wir uns versehen, sehen wir uns eine Musicalversion an, in der der Pädophile singt: „Ist das der Junge / der mir endlose Stunden der Freude bringt?“ Es ist einer von vielen entzückenden Umwege, die diese Filmemacher auf der Suche nach dem Weg zum Arthouse-Ruhm gegangen sind.

Einige Kritiker finden die Satire von „Septic Tank“ zu glatt und zynisch gegenüber der Festivalszene, aber vieles von dem, was sie verspottet, findet sich in einem anderen philippinischen Film, der um den prestigeträchtigen Goldenen Bären der Berlinale konkurrierte. Brilliante Mendoza ist einer der Fahnenträger des glühenden DIY-Filmschaffens, das auf den Philippinen gedeiht (und mit einem entsprechenden Ego: Seine Website beschreibt ihn als „lebenden nationalen Schatz“). Sein Erfolg führte zu einem goldenen Ticket in der Form von europäischen Fördergeldern, aber sein neuer Film „Captive“ findet ihn an der Kreuzung von No-Budget-Trash-Filmemachern und Festival-Prestige-Filmen wieder und tut keinem von beiden einen Dienst. Diese hyperaktive Nachstellung eines Terroranschlags von 2001 hat das sogar Isabelle Huppert als entführter Missionar mit auf die Reise, aber es fühlt sich eher so an Michael Bucht als Michael Hanke . Von Nahaufnahmen bedrohlicher Dschungelkreaturen bis hin zu einem echten Baby, das während eines Feuergefechts aus einer Frau herausgezogen wird, wird kein Versuch der Sensationslust gescheut, um das Publikum aufzurütteln.

Auch einem der besten Filme der Berlinale haftet ein Hauch von Dritte-Welt-Ausbeutung an. Miguel Gomes gewann zwei Preise für seinen zweiten Spielfilm „Tabu“, einen betörenden Zweihandfilm über eine sterbende Frau in Lissabon mit einer tragisch-romantischen Vergangenheit. Ihre Hintergrundgeschichte entfaltet sich auf hypnotische Weise über einer üppigen afrikanischen Plantagenkulisse, die eher eine Anspielung auf Hollywood- und europäische Filmfantasien ist als alles, was dem ähnelt, was wirklich war. Es ist ein Tarantino-Film für Arthouse-Romantiker, und ich finde ihn brillant einzigartig in seiner Synthese aus so vielen Referenzen aus der gesamten Filmgeschichte. Und doch ist er blind in seiner Unfähigkeit, die althergebrachten kolonialistischen Einstellungen zu durchbrechen, die in Filmen über Afrika zu finden sind, und setzt sie stattdessen ein, um das Publikum in einen äquatorialen Bann zu ziehen.

Den Goldenen Bären für den besten Film verlieh die Berlinale-Jury „Caesar Must Die“, Paolo und Vittorio Tavianis Publikumsliebling, der Julius Cäsar unter italienischen Gefängnisinsassen inszeniert. Der Film bewegt sich frei zwischen direkten Aufführungen des Stücks und Momenten, in denen die Schauspieler ihre Rolle brechen, um zu diskutieren, wie Shakespeares klassisches Spiel von Macht und Verrat mit ihrem eigenen persönlichen Unglück zusammenhängt. Brillant inszeniert und hübsch in Schwarz-Weiß gedreht, fühlt es sich immer noch wie eine lose Reihe von Vignetten mit tangentialem Interesse am Leben der Spieler an.

Außerhalb des Wettbewerbs Deutscher Meister Werner Herzog bot mit „Death Row“, einer vierstündigen TV-Serienerweiterung seines großartigen Dokumentarfilms vom letzten Jahr, einen genaueren Einblick in das Leben und die Gedanken der Insassen. In den Abgrund: Eine Geschichte des Todes, eine Geschichte des Lebens .“ Irgendwann streitet Herzog mit einem Staatsanwalt aus Texas über eine Insassin im Todestrakt, von der der Staatsanwalt befürchtet, dass Herzog sie durch seinen Film humanisieren wird. Herzog antwortet: „Ich versuche nicht, sie zu humanisieren. Sie ist bereits einfach ein Mensch.' Es ist eine eloquente Aussage, die Herzogs nüchterne Herangehensweise an die kalten Fakten und menschlichen Geheimnisse verkörpert, die das zum Tode verurteilte Leben regieren, und gleichzeitig die absurd gefühllose und strafende Natur des texanischen Justizsystems deutlich macht.

Ein anderer deutscher Film war meiner Meinung nach der beste im Wettbewerb. Im Vergleich zu auffälligeren High-Concept-Werken wie „Caesar Must Die“ und „Tabu“ Barbara ' spielt als stille Reminiszenz an das Charakterdrama der alten Schule. Eine ostdeutsche Ärztin verbringt ihre Zeit in einem Landkrankenhaus, während sie nach einer Möglichkeit sucht, in den Westen zu fliehen. Sie wird zunehmend von einer vernarrten Kollegin abgelenkt, die entweder romantisch interessiert ist oder sie ausspioniert sie, oder beides. Mehr als der erfolgreiche Stasi-Spionagefilm ' Das Leben der Anderen ,“ winzigen Verschiebungen in der Charakterentwicklung und verdrängten Gefühlen von Szene zu Szene viel Aufmerksamkeit und Understatement. Sie sind Markenzeichen der sogenannten „Neuen Berliner Schule“ deutscher Filmemacher, die eine stilistisch präzise Herangehensweise an ihre Filme verfolgen. „Barbara 's Direktor, Christian Petzold , ist vielleicht der Herausragende dieser Gruppe und gewann verdientermaßen den Goldenen Bären für die beste Regie.

Mit drei abenteuerlich-exzentrischen Porträts abgedrehter Charaktere setzten amerikanische Filme in der Forumsektion des Festivals Akzente. Im ' Francine ' Melissa Leo trägt die Show als sozial unfähiger Tierliebhaber; Ihre furchtlos engagierte Leistung stärkt ihren Status als nationaler Schatz für Indie-Filmemacher. Paul Dano ist weniger überzeugend als Rocksänger, der versucht, sich mit seiner entfremdeten Familie im wispy wieder zu vereinen. Für Ellen .“ Das lärmende „Kid Thing“ von David Zellner verwendet ein gesättigtes Farbschema, um die Stimmungsschwankungen seiner 12-jährigen Protagonistin widerzuspiegeln, die in einer texanischen Stadt Chaos anrichtet.

Obwohl diese Bemühungen zeitweise betroffen waren, waren alle diese Bemühungen bemerkenswert für ihre Bemühungen um Einzigartigkeit, aber zurück in der Wettbewerbsaufstellung gab das einsame amerikanische Merkmal der Exzentrizität ein wirklich gelebtes Gefühl. „Jayne Mansfield’s Car“ ist Billy Bob Thorntons erste Regiearbeit seit 12 Jahren, und der ehrgeizige Umfang dieses epischen Familiendramas aus den Südstaaten fühlt sich an, als würde er verlorene Zeit aufholen. Jonglieren mit einem All-Star-Ensemble inklusive Robert Duval , Kevin bacon , John Hurt und Thornton, bringt der Film eine georgische und eine britische Familie zu einer Beerdigung zusammen und bringt Dämonen des tiefen Südens und Amerikas zum Vorschein, insbesondere männliche Verliebtheiten in Sex, Krieg und gewalttätige Katastrophen. Der Film kam den Berlinale-Kritikern als schlampig und überlang vor, aber er ist randvoll mit großartigem Schauspiel, überraschenden kleinen Momenten und einem authentisch persönlichen Weltbild, das zu überzeugend ist, um es zu ignorieren. Zusammen mit „Barbara“ ist er ein Festivalfilm der besonderen Art, bei dem die kleinen Dinge ganz groß rauskommen.